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Rachid Bouchareb: “Before Malik Oussekine, our dead had no name”


On the night of December 5 to 6, 1986, while anti-Devaquet demonstrations set the country ablaze, Malik Oussekine was killed in the Latin Quarter by acrobats, Abdel Benyahia in a cafe in Pantin by a tipsy policeman. Thirty-five years later, Rachid Bouchareb returns to these two blunders, one of which was concealed by the police, through a held and dignified fiction punctuated with archive images where we find Reda Kateb, Lyna Khoudri , Samir Guesmi, Raphaël Personnaz… In full cohabitation Mitterrand-Chirac, Robert Pandraud utters horrors on Oussekine, the Mano Negra bellows “Mala Vida”, and France chants the slogan “Never again”.

How long has “Our brothers” been on your mind?

For thirty years. I always wanted to shoot “Indigènes”, then “Hors-la-loi”, which is the sequel to it, and “Nos brothers”, the sequel to “Hors-la-loi”. The three films go hand in hand. Political cinema, I discovered it with Costa-Gavras, Francesco Rosi, Sidney Lumet, Alan Pakula and “the Battle of Algiers” by Gillo Pontecorvo.

In the 1980s, what are you doing?

I have just completed “Bâton rouge”, my first feature film, about young people from the suburbs who dream of America, go there and come back in every sense of the word. I was then the only filmmaker of Algerian origin with Mehdi Charef. Mitterrand’s election lifts the lid. SOS-Racisme was born in 1984. With the singer Rachid Taha, we meet some of the members of the association. The

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What we know about the rape charges against Sofiane Bennacer, excluded from the Caesars



The actor Sofiane Bennacer, 25, is accused of rape and physical and psychological violence by four ex-companions, announced the public prosecutor Edwige Roux-Morizot and the daily “Le Parisien” this Friday, November 25. The young actor was considered the revelation of the film “the Almond Trees” by Valeria Bruni-Tedeschi, acclaimed by critics.

Four complaints of rape and violence

“There were two indictments for acts of rape” on two ex-girlfriends as well as a third “Indictment for spousal abuse”, said the prosecutor of Mulhouse, where the case is being investigated. As part of a fourth complaint filed by another ex-girlfriend who denounced acts of rape, Sofiane Bennacer was placed under the more favorable status of assisted witness.

The sequel after the ad

The facts alleged occurred “between 2018 and 2019” in Mulhouse, Strasbourg and Paris, and the presumed victims evolve “in the theater world”, according to Edwige Roux-Morizot. The alleged victims “describe an affair under the influence, during which non-consensual relations would have taken place”says “the Parisian”.

The National Theater of Strasbourg (TNS), where he had been admitted before resigning in 2021, had seized the Ministry of Culture of the facts “gender-based, sexual violence and harassment”. The Ministry of Culture then made a report to justice, said the prosecutor. Benjamin Morel, administrator of the TNS, told AFP on Wednesday that “it was Sofiane Bennacer who made the decision to resign on February 19, 2021”.

Sofiane Bennacer excluded from the competition of the Caesars

Sofiane Bennacer was one of the 16 actors (and 16 actresses) selected in mid-November as “emerging talent” by the Revelations Committee of the Académie des César. The institution decided in the wake of the announcement to exclude him against his will from the race for the nominations of the most promising male 2023.

French cinema faced with the Haenel and Polanski affairs: “Silences will be more and more culpable”

The Academy decided that “the information published by the press since November 22 […] ordered, without prejudice to the presumption of innocence and out of respect for the alleged victims, to remove it from the list of 32 Revelations for the César 2023 “she said Wednesday evening in a press release.

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Actor’s denial

” I am innocent […]. Does the presumption of innocence still exist? Or are we in a state of lawlessness, a state where the simple baseless accusation can destroy a life? », launched the actor in a long message on Instagram. He had already disputed the facts during his indictment.

“I may be boycotted by the cinema. Either way I got humiliated deep in my soul […]. I’m going to be free in a few months because I haven’t done anything […]. If there was any evidence against me, not just bogus testimony, real evidence, I would already be in jail. »

Reaction from the film crewAlmond Trees »

According to the newspaper “Liberation”, which explains in its edition of this Friday that it interviewed around thirty people, including around fifteen professionals from the production team of “Amandiers”, the filming of the film took place in a climate of“omerta”.

“At no time did the production know before hiring him and at no time did the production orchestrate the slightest omerta to ensure that nothing came out of this story”assured producer Patrick Sobelmann to France Inter, before adding:

“It was absolutely impossible to stop filming and fire Sofiane for a very simple reason: we had no legal basis to do that. »

The director of the film Valeria Bruni-Tedeschi, current companion of Sofiane Bennacer according to several media including “Liberation” and “Le Parisien”, denounced in a press release a “media lynching, very far from a desire to inform objectively and impartially”. The director adds that she decided to continue filming despite her knowledge of “ rumors “concerning Sofiane Bennacer, who had it” artistically impressed […] from the first second of casting » of his movie.

#MeToo was only a first wave



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“Bad girls”: “It’s the climax of what women could suffer when they were not compliant”


This is one of those shameful documents: how was France able to treat, humiliate, belittle, crush young women in religious institutions – in fact, prisons – until the 1970s ? In “Bad Girls”, five former boarders talk about themselves, in front of the camera of Emerance Dubas. Criminals? Thieves? Terrorists? No way. Eveline, Fabienne, Michèle, Marie-Christine, all in their seventies, were simply rebels, undisciplined. And Edith, the oldest (95 years old), the only one who does not appear in the image (but we hear her voice), guides us in the buildings of the badly named “Bon Pasteur” of Bourges, where the nuns tasked with destroying dreams and “bad » residents’ habits.

Additional dimension: all these women come from modest, even miserable backgrounds. Double punishment, therefore: women and the poor. It is with clenched hearts and clenched fists that we witness this shipwreck of social conscience: “Bad girls”, or the discovery of houses of intolerance. The documentary will be released in theaters this Wednesday, November 23. Interview with director Emerance Dubas.

“Vagabonds, thieves, vicious”: “Being a girl in the 1950s was quickly becoming a ‘bad girl'”

Above all, you are a documentary filmmaker specializing in art (“Dolls of light. Portrait of Michel Nedjar”, ​​“Buren in the city”). All of a sudden you’re diving into denunciation

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Indicted for rape, actor Sofiane Bennacer says he is innocent



The actor Sofiane Bennacer, indicted in October in Mulhouse for the alleged rapes of two former companions and violence on a third, proclaimed this Wednesday, November 23 his innocence, while the Caesars decided against his will to exclude him from the race for the 2023 Best Male Newcomer nominations.

The Academy decided that “the information published by the press since November 22 (…), ordered, without prejudice to the presumption of innocence and out of respect for the alleged victims, to remove it from the list of 32 Revelations for the César 2023”she said this Wednesday evening in a press release.

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Reveal of the latest film by Valeria Bruni-Tedeschi, “The Almond Trees”the 25-year-old actor nevertheless wanted “continue to compete for the Cesars”.

“Les Amandiers”, “Coma”, “la Maison”… Films to see (or not) this week

“I am innocent (…) Does the presumption of innocence still exist? Or are we in a state of lawlessness, a state where the simple baseless accusation can destroy a life? », he launched in a long message on Instagram. He had already disputed the facts during his indictment.

“I may be boycotted by the cinema. Either way I got humiliated deep in my soul […]. I’m going to be free in a few months because I haven’t done anything […]. If there was any evidence against me, not just bogus testimonies, real evidence, I would already be in prison.he added.

Four complaints filed

According to the prosecutor of Mulhouse, “There were two indictments for acts of rape” on two ex-girlfriends as well as a third “Indictment for spousal abuse”. As part of a fourth complaint filed by another ex-girlfriend who denounced acts of rape, Sofiane Bennacer was placed under the more favorable status of assisted witness.

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Valeria Bruni Tedeschi: “I think I was in love with Chéreau”

The National Theater of Strasbourg (TNS), where he had been admitted, had seized the Ministry of Culture of the facts “gender-based, sexual violence and harassment”, according to “the Parisian”. The Ministry of Culture then made a report to the courts, said the prosecutor, without specifying the date.

The actor was placed in detention under judicial supervision, said the prosecutor, meaning that his prosecution had initially requested his temporary placement.

Benjamin Morel, administrator of the TNS, told AFP on Wednesday that “it was Sofiane Bennacer who made the decision to resign on February 19, 2021, after the allegations were brought against him”.



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« Saint Omer », « les Miens », « Aucun ours »… Les films à voir (ou pas) cette semaine


♥♥♥ Saint Omer

Drame français par Alice Diop, avec Kayije Kagame, Guslagie Malanda, Valérie Dréville, Aurélia Petit (2h02).

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En 2013, une jeune femme d’origine sénégalaise, Fabienne Kabou, abandonne son bébé à la marée montante sur une plage de Berck, dans le Pas-de-Calais. Neuf ans plus tard, Alice Diop (documentariste estimée, « Vers la tendresse », « Nous ») passe à la fiction pour retracer le procès de cette femme, ici nommée Laurence Coly (Guslagie Malanda) à la cour d’assises de Saint-Omer. Depuis toujours, Diop exhume des récits qui méritent d’être racontés, déjoue les généralités, regarde ses protagonistes avec considération, les extirpe des places que la société leur assigne. Mère infanticide cultivée, bringuebalée entre deux identités (française et sénégalaise), s’exprimant dans un français lettré – une arme qui va se retourner contre elle, au même titre que sa froideur apparente –, Laurence Coly est un mystère qui, au fil des minutes du procès, ne va cesser de s’opacifier. D’autant qu’elle invoque un « maraboutage » pour motiver cet acte qu’elle ne s’explique pas.

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Alice Diop et Marie NDiaye, rencontre avec deux femmes puissantes

Dans l’auditoire, Rama (Kayije Kagame), prof à l’université – on la voit donner un cours sur « Hiroshima mon amour », où elle évoque « le pouvoir de la narration propre à sublimer le réel » – vient suivre le procès afin d’écrire un roman. Future mère, Rama, miroir de Laurence Coly, est en conflit avec la sienne. De quelles souffrances tues, de quel legs maternel pesant, de quels non-dits, sommes-nous le produit ? La question de la maternité – c’en est même la clé – sous-tend ce film politique et radical récompensé par une flopée de prix. Avec Claire Mathon, sa cheffe opératrice, Alice Diop choisit de longs plans-séquences pour placer le spectateur dans une situation d’écoute maximale, préfère parfois scruter les réactions de l’auditoire à ce qui est dit, fait confiance à Bresson ou Depardon, convoque la peinture de Rembrandt et de Vinci, glisse, à la fin de « Saint-Omer », un extrait du mythe de « Médée » revu par Pasolini.

Aidée de comédiennes sensationnelles, auxquelles il faut ajouter Valérie Dréville, la présidente, qui, elle-même joua la Médée d’Heiner Müller, et Aurélia Petit en avocate, Alice Diop signe un film puissant où, soumise à la pression parentale, invisibilisée par son mari, en proie à un racisme insidieux (le témoignage de sa prof de philo prompte à se demander comment une femme comme elle peut s’intéresser au philosophe Wittgenstein), Laurence Coly n’est ni tout à fait coupable ni tout à fait victime. Plus qu’ému, on en sort terrassé par la façon magistrale dont Diop a su tenter de saisir l’insaisissable et de remettre en cause les idées reçues. Sophie Grassin

♥♥♥ Les Miens

Comédie dramatique française par Roschdy Zem, avec Roschdy Zem, Maïwenn, Sami Bouajila, Rachid Bouchareb (1h45).

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Au cinéma, ces temps derniers, dans « les Enfants des autres », de Rebecca Zlotowski, et « l’Innocent », de Louis Garrel, Roschdy Zem était fragile et attendrissant. Dans « les Miens », son sixième film en tant que réalisateur, il est arrogant, autolâtre et fortuné. Présentateur, à la télé, d’une émission sur le football, Ryad se soucie plus de ses audiences que de sa famille, dont il est le dieu lointain. Un jour, son frère, le gentil Moussa (Sami Bouajila), que sa femme a quitté, victime du syndrome frontal après un traumatisme crânien, et désormais désinhibé, lui dit ses quatre vérités. Et voici que Ryad, en couple avec Maïwenn (coscénariste du film), vacille et tombe de son piédestal. Interprété avec une sensibilité rare, « les Miens », dont on devine la portée autobiographique, est un magnifique portrait de groupe, ravagé par la tempête. Un film, aussi, sur la parole recouvrée. Devant et derrière la caméra, Roschdy Zem, qui ne s’épargne pas, dit aux siens qu’il les aime. Et nous, on aime ça. Jérôme Garcin

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Les origines, la famille, la Vierge Marie… Gad Elmaleh et Roschdy Zem, dialogue entre deux amis

♥♥♥ Aucun ours

Comédie dramatique iranienne par Jafar Panahi, avec Jafar Panahi, Mina Kavani, Bakhtiar Panjei (1h47).

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Un cinéaste – Jafar Panahi lui-même – met en scène un film à distance, par wi-fi. Retiré dans un petit village, il est soupçonné par les habitants de faire des photos qui perturbent les traditions locales. Deux histoires d’amour (celle de la fiction et une autre, dans la bourgade) se consument sous les yeux de l’artiste. Achevé avant son incarcération en Iran, ce long-métrage est un étrange aller-retour entre le faux documentaire, la vraie fiction et la menace qui pèse alors sur Panahi. Tout se mélange et se complète dans un fascinant puzzle, où il y a du pamphlet, de la pensée poétique et de la tragédie. François Forestier

Le cri d’alarme du fils de Jafar Panahi, emprisonné en Iran : « Nous n’avons plus rien à perdre »

♥♥ Le Menu

Thriller américain par Mark Mylod, avec Ralph Fiennes, Brandon Herron, Anya Taylor-Joy (1h48).

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Moyennant 1 250 dollars par tête, douze convives s’apprêtent à dîner, sur une île, dans le restaurant de Slowik (Ralph Fiennes), chef obsessionnel et despotique, gourou de sa brigade et fervent défenseur d’une cuisine moléculaire si conceptuelle qu’elle frôle l’absurde (un plat porte le nom de « pain sans pain »). Parmi eux, une critique culinaire féroce, un acteur hollywoodien sur le retour, des filous de la tech et Margo, réfractaire à la dévotion portée à Slowik et à son tralala fascisant. Mark Mylod (« Succession ») joue la satire noire et mordante pour cuire à petit feu privilégiés, capitalistes et pompeux. Très pertinent sur les vilenies et les ridicules de ses personnages, il peine davantage à maintenir jusqu’à son terme l’intérêt de son jeu de massacre horrifique. S. G.

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♥♥ Bones and All

Thriller italo-américain par Luca Guadagnino, avec Taylor Russell McKenzie, Timothée Chalamet, Mark Rylance (2h10).

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L’Amérique de la survie, des trailers parks et des plaines infinies. Maren, métisse de 17 ans (Taylor Russell McKenzie, une révélation), rencontre Lee, tignasse rouge et jeans en loque. En rupture de ban, ils partent sur les routes, s’apprivoisent, malgré les autres hobos (cauchemardesque Mark Rylance), malgré la malédiction : ils sont anthropophages. Histoire d’amour empêchée, sensualité de la mise en scène, chansons pop/new wave (Kiss, Joy Division) comme marqueurs des années 1980 et Timothée Chalamet : il y a du « Call Me by Your Name », le meilleur film de Luca Guadagnino, dans cette balade sauvage mâtinée de « Trouble Every Day » (Claire Denis). Comme souvent avec ce cinéaste, c’est trop long et on ne saisit pas tout à fait où il veut en venir. Déroutante, l’errance aux beautés sombres piste la mélancolie des cannibales. Nicolas Schaller

♥♥ Le Roi du monde

Drame musical espagnol par Carlos Saura, avec Ana de la Reguera, Damián Alcázar (1h35).

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Voilà des années que Carlos Saura, éloigné des fictions engagées du début de sa carrière, s’est fait le spécialiste des films chorégraphiés. Avec virtuosité. Manuel s’apprête à monter une pièce dansée en hommage aux racines musicales mexicaines où le metteur en scène évoquera sa vie, aidé dans son projet par son ex-maîtresse et un jeune danseur talentueux. La scénographie est ingénieuse dans ses dispositifs (décors mouvants, projections…) et la caméra sublime la rage sensuelle des corps et des danses. OK, déjà vu mais toujours flamboyant. Xavier Leherpeur

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♥♥ She Said

Drame judiciaire américain par Maria Schrader, avec Carey Mulligan, Zoe Kazan, Patricia Clarkson (2h09).

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Le cinéma américain documente comme nul autre le travail des journalistes (« Spotlight », « les Hommes du président »). C’est le principal intérêt de cette adaptation du livre de Jodi Kantor et Megan Twohey, prix Pulitzer, récit de leur enquête pour le « New York Times » qui fit tomber le producteur de films Harvey Weinstein et éclater le mouvement MeToo. Carey Mulligan, qui assoit l’engagement de ses choix après « Promising Young Woman », et Zoe Kazan, petite-fille d’Elia, y témoignent de la combativité et de la probité à toute épreuve des deux reporters et du courage des témoins face au pouvoir fou du terrifiant Harvey et à l’entreprise faustienne qu’il avait mise en place au sein d’un système judiciaire prêtant volontiers aux riches. Pas du grand cinéma mais un honorable film-dossier. N. S.

♥♥ Rimini

Drame autrichien par Ulrich Seidl, avec Michael Thomas, Tessa Göttlicher (1h56).

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Chanteur de charme ayant perdu de sa superbe, contraint de se prostituer pour boucler ses fins de mois, Charlie Bravo voit sa fille revenir dans sa vie. Elle est secondée par un petit ami, étranger et âpre au gain, et bien décidée à faire payer son indifférence à son père. Au contraire de son héros, le cinéaste autrichien a conservé son fiel. Son évocation d’une ex-star ringarde, égarée dans une Italie pluvieuse, est à la fois mordante et mélancolique. Sa mise en scène achève d’un trait parfois cynique le portait d’un homme blanc et hétéro, au pouvoir déchu. En revanche, lorsque Seidl s’aventure sur le terrain géopolitique à travers ces migrants prêts à tout pour « remplacer » notre héros en envahissant sa demeure, on ne comprend pas où il veut en venir. X. L.

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♥♥♥ Inu-Oh

Film d’animation japonais par Masaaki Yuasa, avec les voix de Avu-chan, Mirai Moriyama (1h38).

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Dans le Japon médiéval, la rencontre entre un être maudit, forcé de cacher la moindre parcelle de son corps, et un joueur de biwa aveugle donne naissance à un groupe de rock (oui, le film joue à fond l’anachronisme) qui serait, selon la légende, à l’origine du théâtre No. Si vous n’avez pas tout compris, soyez sans crainte. La clarté de la narration n’est pas le point fort de ce film d’animation hirsute mais formellement génial. Toutes les frontières de l’imaginaire et de la mise en scène sont ici repoussées. Scènes de concerts dantesques, couleurs explosant comme un arc-en-ciel sous acide : c’est une œuvre musicale folle, exubérante, démesurée, queer et fluide. On ne reverra pas cela avant longtemps. X. L.

♥♥ La Générale

Documentaire français par Valentine Varela (1h34)

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Christine, professeure principale d’une classe de seconde au lycée Emile-Dubois à Paris, a été suivie au cours de l’année scolaire par la caméra de Valentine Varela (la duchesse de Guermantes dans l’adaptation Arte de Proust), juste avant sa retraite. Devant des élèves venus d’horizons divers, parfois intéressés, parfois turbulents, Christine se bat : le quotidien d’un prof, c’est à la fois la guerre, la comédie, le découragement et l’espoir. Mais ce qui prime, c’est le sens de la mission. On sort du film avec la conviction que le savoir, reçu ou donné, est un don inestimable. F. F.

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ÇA RESSORT

♥♥♥ Driver

Polar américain par Walter Hill, avec Ryan O’Neal, Isabelle Adjani, Bruce Dern (1978, 1h31).

Vimeo – FA DRIVER de Walter Hill – Ressortie le 23 novembre 2022

Un type énigmatique, blond mutique à gueule d’ange, vend ses services de chauffeur à des braqueurs. On ne sait rien de lui, pas même son nom, juste qu’il n’aime pas les armes et entretient un rapport platonique avec une femme tombée sous son charme. Ryan Gosling dans « Drive » ? Non, Ryan O’Neal dans « Driver », tourné en 1978 par Walter Hill et grosse influence du premier. Même Los Angeles nocturne éclairé aux néons, même mélancolie métallique, même anti-héros aux airs de cow-boy sartrien. Nul romantisme éthéré ni violence baroque chez Hill, briscard d’Hollywood à l’inspiration plus archaïque. Son film, restauré en 4K, est un western urbain jouant sur les archétypes du polar, avec deux modèles de poursuites en bagnole et une Isabelle Adjani fantomatique, belle à tomber, dans l’un de ses rares rôles américains. N. S.

À LIRE

♥♥♥ Bertrand Tavernier, le cinéma et rien d’autre

Par Laurent Delmas, Gallimard-France Inter, 288 p., 29,90 euros.

L’été dernier, Laurent Delmas a réalisé sur France Inter une excellente série d’émissions sur Bertrand Tavernier. Nathalie Baye, Luc Béraud, Thierry Frémaux, Julie Gayet, Philippe Sarde, Philippe Torreton témoignent de la passion qui animait l’auteur de « l’Horloger de Saint-Paul », de « la Vie et rien d’autre » et de « Capitaine Conan ». Collaborateurs et amis dressent un portrait chaleureux et haut en couleur d’un artiste follement amoureux de son art. F. F.



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Roschdy Zem directs “Les Mines”: “I didn’t want to give myself the right role”



In “Miens”, in theaters this Wednesday, November 23, Roschdy Zem mixes actors and relatives to tell about himself and his clan. Above all: return to the accident of his brother (played by Sami Bouajila), victim of frontal syndrome following a head trauma, which removes any social filter and makes him aggressive. A test that will be worn by the whole family.

The origins, the family, the Virgin Mary… Gad Elmaleh and Roschdy Zem, dialogue between two friends

Interpreted with a rare sensitivity, “Les Miens”, whose autobiographical scope we guess, is a magnificent group portrait, ravaged by the storm. A film, too, on recovered speech.

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On the occasion of our preview organized at the Silencio des Prés, the filmmaker answered questions from Jérôme Garcin, head of the Culture department of “l’Obs”, in our video above. History to pierce the mysteries around this fiction to the Maïwenn that he realizes and interprets.



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“Bonnie and Clyde”, “The Godfather”, “Apocalypse Now”: Dean Tavoularis, the man behind the set


Here is a brilliant album, “Conversations with Dean Tavoularis”, which every cinephile must have, where the artist explains his art (he is a painter), and his tribulations with Arthur Penn (two films) or Coppola (thirteen films, including “The Godfather” and “Apocalypse Now”!). The illustrations – filming photos, sketches, paintings – are sumptuous. The man has been Parisian for years and, in this street at 17e district which housed so many fin-de-siècle painters (Albert Dawant, Jean-Joseph Weerts, Etienne-Prosper Berne-Bellecour, Ferdinand Heilbuth, Adrien Moreau, François Flameng, Léon-François Comerre, Walter Gay, Jules Machard, all completely forgotten ) continues to create.

Surrounded by sketches, paintings, memories, Dean Tavoularis, 90, looks back on his past, with undisguised pleasure. ” I was lucky “, he says to explain his unique career. Certainly, but luck, in this case, is another name for talent. Interview.

What exactly is your function, on a set, as a “production designer?”

Dean Tavoularis I am often asked the question. Usually I’m given a script and asked to read it. Images come to mind, then. That’s my job. Translate these images. The difference with a cinematographer is that I have to put something in front of the camera, whether it’s a black dog or a white cat, and he has to photograph it. My job is to find the dog and the cat. There remains the question of the frame

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Death of Jean-Marie Straub, director of “Chronique d’Anna Magdalena Bach”



Jean-Marie Straub, craftsman since the 1960s of a committed and anti-conformist cinema, died on Sunday November 20 at the age of 89 at his home in Rolle, Switzerland.

“I spoke with Mrs. Straub (his last wife) this afternoon, he died at six o’clock this morning, at his home in Rolle”explained to AFP Christophe Bolli, in charge of communication for the Cinémathèque suisse.

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“We were very, very close to him. He donated his films to us. He lived in Rolle. He was also a neighbor of Jean-Luc Godard, who was also very close to the Cinémathèque”developed Christophe Bolli.

“The Cinémathèque suisse had done a lot of tributes to Straub, a lot of screenings with him, and then he came a lot more between 2018 and 2019”confided the communication officer. “Then his health deteriorated. We haven’t seen him in our house for two years.”he concluded.

A couple of inseparable directors

To talk about his career, we must talk about the couple of directors Jean-Marie Straub/Danièle Huillet, his previous partner, met in 1954. The two creators challenged traditional narrative and aesthetic patterns. In 2006, the Venice Film Festival awarded a special prize to Jean-Marie Straub and Danièle Huillet for all of their work. Danièle Huillet died of cancer aged 70 in October 2006. Jean-Marie Straub continued to direct thereafter. In 2017, he received the Leopard of Honor from the Swiss Locarno Festival for all of his work.

Born on January 8, 1933 in Metz (France), Jean-Marie Straub began by being an assistant to great filmmakers such as Jean Renoir, Abel Gance, Jacques Rivette or Robert Bresson. It is then close to the band formed by Jacques Rivette, François Truffaut and Jean-Luc Godard, future standard bearers of the New Wave. He fled France during the Algerian war to find refuge in Germany, where the Straubs/Huillet went on to direct with a short film, “Machorka-Muff” (1962).

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The foundations of the filmmaker duo’s uncompromising style were laid in 1967 with the feature film “Chronique d’Anna Magdalena Bach”.

“Thank you Jean-Marie for your generosity and your sharp view of the world, which is very topical. We will watch over your heritage and make it shine, ”wrote Frédéric Maire, director of the Cinémathèque suisse, on the website of his institution.



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Vous voulez du sport sans regarder la Coupe du Monde ? Ces 10 films sont faits pour vous


Vous voulez échapper à la Coupe du Monde ? Impossible, à moins de prendre des mesures radicales. Regarder des adultes en culotte courte qui courent après une baballe, franchement, c’est déconcertant, voire carrément absurde. Les voir se concasser la gueule après le match, juste pour la beauté de la chose, c’est affligeant. Par chance, il y a d’autres possibilités de s’intéresser au sport. Qu’il s’agisse de la boxe, du patin à glace, du baby-foot ou du « wife-carrying » (le conjoint doit porter sa femme le plus loin possible – de préférence jusqu’au bureau des divorces), le cinéma s’est largement penché sur le monde des champions. Films français ou américains (les Soviétiques ont aussi contribué au genre, dit-on, mais qui a pu voir « les Premiers Gants » d’Andreï Frolov, 1946, ou « le Lutteur et le Clown » de Konstantin Youdine, 1957 ? Même pas les membres du Politburo). De Buster Keaton à Oliver Stone, d’Elvis Presley à Zidane, le sport a fourni la matière de centaines de récits, à tendance dramatique ou tragique, voire comique.

N’écoutant que son courage, « l’Obs » a sélectionné pour vous dix films qui vous aideront à passer le cap de la 22e édition de la Coupe du Monde, qui aura lieu à partir de ce dimanche 20 novembre dans des stades climatisés (bonjour l’impact climatique) au Qatar. Le cinéma est-il une sortie de secours pour les non-footeux (dont je suis) ? Exactement. On est mieux, assis à la maison dans son canapé, avec des chips (537 calories pour 100 grammes), une ’tite mousse (125 calories pour un verre), à regarder Sylvester Stallone ou Jennifer Beals et à se fabriquer un admirable cholestérol devant la télé plate. Suivez le guide !

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Le Dernier Round

Film (1926) réalisé par Buster Keaton, avec Buster Keaton, Sally O’Neil, Snitz Edwards.

Une merveille, il n’y a pas d’autres mots. Butler, joué par Keaton, est un jeune snob né avec une cuillère en or dans la bouche. Pour l’endurcir, son père l’envoie faire du camping à la dure. A la dure ? Tu parles, Charles (III) ! Le jeune homme est secondé par son valet-chauffeur, habite dans une caravane luxueuse et s’habille en gandin. Las ! Il a le même nom qu’un boxeur célèbre, et il est vite contraint de monter sur le ring (pour lequel il n’est pas fait). Inutile de préciser que la situation dégénère – et que Keaton réussira à conquérir le cœur de sa belle. C’est l’époque dorée du cinéma muet : non seulement les gags (forcément visuels) sont géniaux, mais Keaton y est au top. En près de soixante-dix minutes, l’homme qui ne riait pas réussit à nous faire rire – et comment ! La chorégraphie du combat de boxe vaut, à elle seule, le spectacle. Keaton est grand, Buster est son prophète.

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Les Rois du sport

Film (1937) réalisé par Pierre Colombier, avec Fernandel, Raimu, Jules Berry, Nita Raya.

Raimu et Fernandel dans « les Rois du Sport » de Pierre Colombier. (GRAY FILM/COLLECTION CHRISTOPHEL VIA AFP)

Entrecoupée de chansons qui ont fait les beaux jours des auditeurs français avant la guerre (« l’Amour mesdames », « la Java des jeunes de Marseille », « Elle fait d’la bibi »), voici une comédie bien franchouillarde dont l’action centrale se passe au café des Sports à Marseille. On y organise des paris sur des matches de boxe, des courses automobiles, des rencontres de foot, autour d’une môminette. Vu comme ça, le sport est hautement sympathique, notamment grâce à aux gros sous que ça rapporte et aux dialogues d’Henri Jeanson (« Tu es comme saint Thomas ! – Oui, je ne crois que ce que je touche, tu sais ! »). Voir Fernandel, Jules Berry et Raimu ensemble – ils n’ont pas une seule cellule sportive dans le corps –, trois des plus grands histrions du cinéma mondial, c’est comprendre ce qu’est le cabotinage puissance mille. Ce ne sont pas des acteurs minimalistes, peuchère ! Pierre Colombier, le metteur en scène, était bourré en permanence sur le plateau, ce qui explique tout.

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Les Dieux du stade

Film documentaire (1938) réalisé par Leni Riefenstahl.

Image extraite des « Dieux du Stade », de Leni Riefenstahl.
Image extraite des « Dieux du Stade », de Leni Riefenstahl. (DR)

Le top des documentaires : Leni Riefenstahl, cinéaste adorée d’Hitler, a eu des moyens colossaux pour filmer les Jeux olympiques de Berlin en 1936. Quelque 300 techniciens et 40 cadreurs ont été recrutés, 400 kilomètres de pellicules ont été enregistrés, et les images en noir et blanc sont de toute beauté. Le film – qui dure plus de trois heures selon les versions – est inoubliable : Riefenstahl, imprégnée de l’idéologie nazie et laissant libre cours à ses préférences personnelles (elle a pris pour pour amant Glenn Morris, médaillé d’or du décathlon), montre des corps sublimes, des sauteurs dignes de la Grèce antique, des performances pures. Hélas, le film devait être l’apothéose du IIIe Reich et de la race aryenne, mais c’est Jesse Owens, coureur noir, qui emporta la victoire. Hitler en fut froissé, le pauvre. Leni Riefenstahl a été une immonde sorcière, mais le film, revu aujourd’hui, est magnifique.

Le jour où… Walt Disney a reçu une cinéaste nazie

A mort l’arbitre

Film (1984) réalisé par Jean-Pierre Mocky, avec Michel Serrault, Eddy Mitchell, Carole Laure, Claude Brosset.

Michel Serrault dans « A mort l’arbitre », de Jean-Pierre Mocky.
Michel Serrault dans « A mort l’arbitre », de Jean-Pierre Mocky. (ETIENNE GEORGE/COLLECTION CHRISTOPHEL VIA AFP)

Mocky dans ses œuvres et ses pompes : un style déjanté, un cynisme à toute épreuve, une réalisation approximative, une dénonciation virulente des cons. Lors d’un match de foot, l’arbitre siffle un pénalty contestable, puis est traqué par les supporters de l’équipe défaite. Un chauffeur est tué, et c’est Eddy Mitchell (l’arbitre, donc) qui est accusé… L’action est hallucinante – les fans sont d’une violence rageuse – et le portrait des amateurs de foot est dantesque. Evidemment, Michel Serrault en rajoute génialement dans l’imbécillité générale, on sent qu’il jouit. La musique est d’Alain Chamfort (oui !) et Jean-Pierre Mocky joue le rôle d’un policier. Le film n’a pas eu de succès à sa sortie, mais la tragédie du Heysel (39 morts et plus de 400 blessés dans le stade bruxellois avant le match Liverpool-Juventus en 1985) a démontré que la réalité était plus forte que la fiction, et que Mocky avait raison.

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« J’aime les acteurs avec un physique extraordinaire », confiait Jean-Pierre Mocky

Fat City

Film (1972) réalisé par John Huston, avec Stacy Keach, Jeff Bridges, Susan Tyrrell, Candy Clark.

L’un des plus beaux films de John Huston. Tiré d’un super roman de Leonard Gardner (publié chez Jean-Claude Lattès), c’est l’histoire de Billy Tully, boxeur sur le déclin devenu ramasseur de fruits, alcoolique, qui espère faire un come-back sur le ring. Las, la réalité le rattrape rapidement, la misère aussi. Il passe, dans le film, une sorte de désespoir tranquille, avec la possibilité d’un regain de notoriété pour Tully, joué par Stacy Keach. Nous, on sait que la ville – cette « fat city » qu’est Stockton, en Californie – ne lui permettra rien, ne lui passera rien. Amours mourantes, combats arrangés, amitiés fragiles, nuits solitaires… Huston capte avec maestria les rêves brisés – comme dans « le Trésor de la Sierra Madre » (1948) ou dans « Quand la ville dort » (1950) –, et livre ici l’un des films les plus poignants de sa vie. Il est vrai qu’il a été boxeur lui-même. Son nez écrasé en témoigne.

Raging Bull

Film (1980) réalisé par Martin Scorsese, avec Robert De Niro, Joe Pesci, Cathy Moriarty, Nicholas Colasanto.

Le maître-film de Scorsese. Tourné en noir et blanc sur un scénario de Paul Schrader et de Mardik Martin, le film reprend le destin forcené de Jake LaMotta, boxeur formidable, travaillé par un instinct d’autodestruction irrépressible. A l’arrivée dans les salles du film, on a longuement glosé sur les transformations physiques de Robert De Niro (elles fascinent toujours autant les Américains), mais ce qui ressort, c’est le talent de Scorsese, qui a mis longtemps à trouver la note juste, le lien avec ce personnage qui lui est étranger malgré ses origines italiennes. Les combats, minutieusement planifiés par le cinéaste, sont filmés de telle façon que le spectateur se sent au milieu du ring. Le son des coups a été travaillé au millimètre. Le film n’a pas été un succès à sa sortie, mettant en péril la carrière même de Scorsese : le personnage n’était pas assez sympathique, selon les critiques américains. C’est vrai, mais le film est d’une force sans égale. C’est aujourd’hui le quatrième meilleur film de tous les temps selon l’American Film Institute.

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Martin Scorsese : « On m’a dit que je trahissais le cinéma en allant chez Netflix »

Les Chariots de feu

Film (1981) réalisé par Hugh Hudson, avec Ben Cross, Ian Charleson, Ian Holm, John Gielgud.

La musique, avant toute chose : le sirop synthé de Vangelis a littéralement dévoré le film. Il n’est pas un ascenseur au monde qui ne retentisse des accords mielleux du film. Tourné avec brio par Hugh Hudson, qui a été formé par la publicité, le film raconte la lutte, au 100 mètres puis au 400 mètres, de deux athlètes britanniques aux Jeux olympiques de 1924 à Paris : Harold Abrahams, juif en pleine montée de l’antisémitisme à Cambridge, et Eric Liddell, Ecossais protestant né en Chine. Le récit est entièrement concentré sur la beauté du sport, et sa nécessaire idéologie de la fraternité. Images en contre-jour, scènes au ralenti, décomposition minutieuse des gestes… Impossible de ne pas être pris par l’émotion. Gros succès à sa sortie, le film a raflé sept nominations aux Oscars et en a remporté quatre, dont celui du meilleur film. Hugh Hudson a ensuite donné un autre succès, « Greystoke, la légende de Tarzan » (1984), prouvant qu’il aimait bien les histoires de surhommes. Ben Cross, l’acteur qui joue Abrahams, est mort il y a deux ans du cancer. Ian Charleson, qui incarne Eric Liddell, a disparu en 1990, victime du sida.

« Blade Runner », « Les chariots de feu », « Alexandre » : les 5 BO inoubliables du compositeur futuriste Vangelis

Rasta Rockett

Film (1993) réalisé par Jon Turteltaub, avec Leon Robinson, Doug E. Doug, John Candy.

Franchement, qui aurait cru qu’un film sur une bande de rastas engagés dans l’épreuve de bobsleigh au Jeux olympiques d’hiver de Calgary en 1988 aurait eu une chance ? D’autant plus que ce sport semble être réservé aux Blancs, exclusivement. Heurs et malheurs d’une équipe complètement inattendue : basé sur une histoire authentique, le film a été proposé à des stars (Eddie Murphy, Denzel Washington, Tupac Shakur) et, devant leur refus, a été produit avec des moyens réduits. La musique de Bob Marley, de David Byrne et de Hans Zimmer a beaucoup contribué à la réception chaleureuse de cet OVNI, devenu un succès mondial. Un peu comme « la Coupe » en 1999 (deux Tibétains dont l’apprentissage de la vie monastique est troublée par le Mondial de foot) ou Elvis Presley dans « un Direct au cœur » en 1962 (Elvis en boxeur ? Irréel), c’est l’association des contraires qui a plu au public : des Caribéens pratiquant un sport de glace ? Faut voir.

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Baseketball

Film (1998) réalisé par David Zucker, avec Trey Parker, Matt Stone, Yasmine Bleeth.

Imaginez le cataclysme : la rencontre des créateurs de « South Park », Trey Parker et Matt Stone, avec le metteur en scène de « Y a-t-il un flic pour sauver le président ? », David Zucker. Le résultat : humour potache – voire débile – garanti. Mais c’est payant. Deux abrutis paresseux inventent un sport dans l’exercice duquel ils seront forcément champions : un mélange de base-ball et de basket, absolument incompréhensible pour quelqu’un qui ne fume pas la moquette. Le truc qui fait plaisir aux yeux, c’est que deux des plus belles bimbos du monde jouent dans le film : Yasmine Bleeth et Jenny McCarthy (toutes deux découvertes dans « Alerte à Malibu », c’est dire). De vrais champions traversent l’action : Dale Earnhardt, Kareem Abdul-Jabbar, Reggie Jackson. Amateurs de cinéma zozo, ce film est pour vous.

Match Point

Film (2005) réalisé par Woody Allen, avec Jonathan Rhys-Meyers, Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Matthew Goode.

Dostoïevski dans le milieu du tennis ? Il fallait être Woody Allen pour oser. Le personnage principal, Chris Wilton, est prof de raquette dans les beaux quartiers de Londres. Il séduit Chloé, une héritière, et se retrouve dans un imbroglio amoureux qui le mènera au meurtre… Pour une fois, Woody Allen ne fait pas rire : comme dans « Ombres et brouillard » (1991) ou « September » (1987), il se laisse aller à ses pensées sombres et à son tempérament tragique (avec une touche d’absurde). Curieusement, ce film qui détonne dans la filmographie du réalisateur d’« Annie Hall » (1977) est l’un de ceux qui a eu le plus de succès. En France, c’est carrément une film culte, nommé aux César. Pour une fois, Woody Allen n’a pas utilisé de musiques de New Orleans, mais a pioché dans le répertoire de l’opéra classique (Donizetti, Verdi, Bizet, Rossini). Un journaliste américain a cru bon de préciser que tous les tennismen ne sont pas forcément des assassins. C’est noté.

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Cinéma, gags et JO

Evidemment, la liste ci-dessus est partielle – et partiale. Il y a des dizaines, voire des centaines, d’autres films de sport, depuis « Rocky » (la boxe) jusqu’à « Coup de tête » (le foot) en passant par « Plein la gueule » (le football américain), « Tourbillon Blanc » (le patinage artistique), « le Prix d’un homme » (le rugby), « Les Blancs ne savent pas sauter » (le basket), « The Wrestler » (le catch) ou « Million Dollar Baby » (la boxe féminine). Les titres se bousculent. Mais il en est deux qu’il est obli-ga-toire de voir, qui traitent du même sujet (les Jeux olympiques), à trente-six ans d’écart.

D’une part, « les Fous du stade » (1972) de Claude Zidi, film dans lequel les Charlots volent les vélos des cyclistes et gagnent les médailles d’or dans diverses disciplines. Et, d’autre part, « Astérix aux Jeux olympiques » (2008) de Frédéric Forestier (rien à voir avec moi, je précise) et Thomas Langmann, où les héros de Goscinny et Uderzo accusent le fils de César de s’être dopé pour la course de chars. Deux films, deux successions de gags parfois bas de plafond, parfois bon enfant, qui montrent le meilleur aspect des concours sportifs : de vastes blagues. F. F.



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Alice Diop and Marie NDiaye, meeting with two powerful women


On September 30, “French Film” set social networks on fire with its one titled “Objective: Reconquest!” but 100% male and white. No Rebecca Zlotowski, no Céline Sciamma, no Alice Diop, the warrior who has just carved out the lion’s share of French cinema. Documentarist for a long time (“La Mort de Danton”, “Nous”), she moved on to fiction with “Saint Omer”, inspired by the Fabienne Kabou affair. In 2013, she had abandoned her child at the rising tide on the beach of Berck-sur-Mer. A political, demanding, bewitching film about an elusive modern Medea, written with Amrita David and Marie NDiaye, author of “La vengeance m’appartient”, a novel about an infanticide nourished by their collaboration. Cross interview.

Alice, how did you know Marie NDiaye?

Alice Diop- I’m 18, I see you at the Fontenay-sous-Bois bookstore, near my home. I begin to read you with “Rosie Carpe”, your literature accompanies me. With you, the black question is not central and this is precisely what leads me to a better understanding of human nature. I have often said: “I would like to be a filmmaker like Marie NDiaye is a writer. “You were the first black woman to receive the Goncourt, not because you were black but because you were one of the greatest writers of the 21st century.e century.

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Marie NDiaye – I felt proud to be the dixi

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