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10 things to know about Iris Knobloch, the first female president of the Cannes Film Festival


1. Steps

In 2023, it is she, Iris Knobloch, who will welcome guests at the top of the famous steps. She will be the first woman to preside over the Cannes Film Festival. The current defending champion, Pierre Lescure, will enthrone him at the end of the edition which begins on May 17 and will officially hand over to him on May 1.er July.

The films that will make people talk, the expected stars… Ask for the Cannes 2022 program!

2. Networks

Aged 59, this trilingual German lawyer has spent most of her career as president of Warner Bros France. She has established good relations with the public authorities. But her networks go far beyond: she sits on the governance committee of the Lazard bank in the United States, is vice-president of the board of directors of Accor. She was also a director of LVMH and the German Axel Springer.

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3. Pinault

With the Pinaults and Matthieu Pigasse (co-shareholder of “l’Obs”), she created a Spac (Special Purpose Acquisition Company) a year ago to invest in the entertainment industry. This will be dissolved after the purchase and IPO in July of the music streaming platform Deezer, of which she will be the chairman of the board of directors. That she is in business with the Pinaults, who are also partners of the Cannes Film Festival (via Kering), bothers some administrators. For lawyers, there is no conflict of interest, but on subjects related to Kering, Iris Knobloch will withdraw.

Cannes Film Festival: a much more promising vintage than the second round of the presidential election

4. Flair

It financed to a significant height “The Artist”, by Michel Hazanavicius – by seeing an essay where Jean Dujardin and Bérénice Bejo dance – against the advice of Warner headquarters. The latter considered the commitment irrational: he did not imagine the potential of a film in black and white, silent, on the Hollywood of the 1930s. Nor, a fortiori, his triumphal journey to the Oscars.

5.Message

Iris Knobloch is not an iconic personality in cinema. His name did not have the force of evidence. His detractors protest:

“The former representative of an American studio at the head of our most famous cultural event, what a message! Could we imagine the Venice Film Festival chaired by a non-Italian? »

But the same consider that they have escaped a post-presidential recasing from which they would have had everything to fear.

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6. Elysee

The Cannes Film Festival may be an association, little dependent on public money, it evolves under the eye of the Elysée. As soon as Pierre Lescure was renewed in 2020, it was understood that he would step down after two years. Emmanuel Macron wanted a woman to be appointed, just before the presidential election. These are ultimately Matignon and the Ministry of Culture who managed the subject. The applicant has not met the president.

The Cannes Film Festival wants to put young people in the pocket

7. Election

The general delegate of the Festival being a man – Thierry Frémaux – it was unthinkable that the presidency of Cannes should not fall to a woman. But, gradually, the criteria tightened to such an extent that Iris Knobloch, supported by Dominique Boutonnat, boss of the CNC, was the only one to tick all the boxes. Unlike Lescure, elected three times unanimously, she only won 18 out of 28 votes.

8. Competitors

The function is paid but not remunerated, which limits its attractiveness. The ball rolled for a long time before coming to rest in front of Iris Knobloch. Mercedes Erra, director of Havas, was dismissed (she would have been assimilated to its shareholder, Vincent Bolloré); and when the name of Audrey Azoulay, Director General of Unesco, was mentioned, Emmanuel Macron swept it away.

“Don’t go to Cannes, they will eat you alive”: Michel Hazanavicius remembers

9. Platforms

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“Cannes needs Americans, we have to understand them and talk to them. She will know how to do, said a banker. First subject: finding common ground with the platforms, excluded from this festival while they are less and less ostracized elsewhere. Second subject: buyers and sellers have not all returned to the film market, organized in parallel with the competition, preferring to continue to negotiate from a distance. This is a problem for the economic model of the event.

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10. Duet

Getting along with Thierry Frémaux is essential. He holds the real power, that of the coach who gives color to the Festival. Iris Knobloch is supposed to help break down sticking points with those who would be tempted to give their films elsewhere than Cannes.



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“Don’t go to Cannes, they will eat you alive”: Michel Hazanavicius remembers



From the coronation of “The Artist”, which launched the film with six Caesars and five Oscars, to the outcry of “The Search”, Michel Hazanavicius has experienced the Cannes Film Festival in all its states. He returns to it this year, as an opening, with “Cut! », a schoolboy and frankly funny comedy, remake of a Japanese student film, on the collective pleasure of making movies. A daring choice to launch the festivities.

Why the remake of a Japanese film, “Do not cut! already atypical?

I wanted to make a film comedy because I have a lot of funny stories on the subject. During confinement, I start writing when I have Vincent Maraval [producteur et distributeur à la tête de la société Wild Bunch, NDLR] on the phone. I tell him about my project, and he says to me: “We just bought the remake rights to a film. See it, it will make you laugh. » I look at it the same evening and the next morning I call it back: “If you have nobody, I do it. » “Don’t cut! is a student film made in six days in an artisanal economy, very clever and brilliant in its structure. The translation that I could make of it was not only Western, it also consisted of switching to another economy. And then it’s a cult but little known film.

This ties in with a recurring motif for you: the idea of ​​redoing, of creating with reference to…

The recycling. There are two approaches. That of seeing there, after “The Artist” and “Le Redoutable”, another film on the



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Our pick of 12 must-see war movies


Ukraine is in flames, the Cannes Film Festival presents Loznitsa’s documentary, “The Natural History of Destruction” and the smell of burning is in the air. War cinema can be summed up in one word: hell. A commonplace of Hollywood, Soviet or Italian battlefields, this cinematic Gehenna saw John Wayne as a slaughtering hero (but with a big heart), Lee Marvin as a loudmouth (but with a big heart too), Nikolaï Tcherkassov as a ruthless prince (but clairvoyant) or Laurel and Hardy as pie throwers (it’s war on cream). The genre is properly cinematic, highly dramatic and perfectly spectacular. What could be more beautiful than a beautiful explosion or a sublime charge, with a humanist message that reconciles spectators and critics? Everyone has their list of war movies. Here is ours.

Albert Dieudonné in “Napoleon” by Abel Gance.

1“Napoleon” by Abel Gance (1927). The apogee of silent cinema, a grandiose saga mutilated, re-edited, reconstituted, glued together, the film was shot in fits and starts (the producer went bankrupt), shot with eighteen cameras, projected on a triple screen and slashed by distributors over the course of years. When we saw the 5:30 version in 2000, what a shock! Abel Gance had been dead for twenty years.

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2 • “ In the west, nothing is new “ by Lewis Milestone (1930). Erich Maria Remarque’s bestseller adapted by an Odessa-born filmmaker enlisted in the US Army in 1917. One of the first talkies, praised for its “realism” (quite unreal, but very effective) and banned by the Nazis. Three other versions will be shot, but none will be as successful.

3 The Great Illusion » by Jean Renoir (1937). Jean Gabin, Pierre Fresnay and Eric von Stroheim confront each other, observe each other, and discover each other in a fortress-prison during the First World War. Renoir and his screenwriter Charles Spaak explore the humanity of the characters in an inhuman universe. The film was banned by Vichy, and destroyed. The Russians saved it, keeping a copy in Moscow.

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4 Alexander Nevsky » by Sergei Eisenstein (1938). Pure patriotic propaganda, but what propaganda! Alexander Nevsky fights the Teutonic Knights with unforgettable images, and drowns the enemy army in an icy lake. The German-Soviet pact of 1939 will force the film to be withdrawn from the poster. Two hours of Stalinist heroism, sublime plasticity of images and, ironically, let’s not forget that Nevsky was the prince of kyiv.

5 • “ The Third Man » by Carol Reed (1949). The war after the war. In Vienna occupied by the Allies, Joseph Cotten tracks down Orson Welles, his ex-friend who has become a scoundrel. One of those films that obsesses the viewer, with the music of Anton Karas and the last shot of Alida Valli in the cemetery. Graham Greene, writer of the screenplay, wanted to convey the feeling of sin. Failed: melancholy dominates.

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6 • “ Eroica » by Andrzej Munk (1958). An unknown and rare film. A disenchanted humor for two stories: that of a cuckold who is the messenger for the Polish Resistance and that of a false hero in a prison camp. A devastating look at the comic absurdity of war.

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7 • “ The Soldier’s Ballad » by Grigori Chukhrai (1959). Yes, it’s melody. Yes, it’s sentimental. Yes, this soldier who falls in love will not come back… Chukrai was crowned “Soviet people’s artist”, and he was in line. But, despite this, the film is lyrical, with breath and emotion. A detail (again): the director was Ukrainian.

8 • “ The Great War » by Mario Monicelli (1959). Alberto Sordi and Vittorio Gassman, totally opposed, find themselves on the front in 1916, and their heroism is pure facade: they are cowards. Monicelli, just after “the Pigeon”, is a master of biting irony. Bernard Blier passes, and Silvana Mangano puts a moment of grace in this über-bitter comedy.

Jacques Perrin in “the 317th section” by Pierre Schoendorffer.
Jacques Perrin in “the 317th section” by Pierre Schoendorffer.

9 • “ The 317and section “ by Pierre Schoendorffer (1965). One of the rare French films about Indochina. Schoendorffer knows what he is talking about: he was in Dien Bien Phu. Shot as a documentary, it is one of the most significant films of its kind, and the filmmaker was classified as “militarist” at the time. Which was bullshit. The film is a masterpiece, period.

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10 • “ Army of Shadows » by Jean-Pierre Melville (1969). Melville was a genuine Resistance hero and, in transposing Kessel’s novel, strikes a brilliant tone. Reviewed today, the film has not lost an ounce, and has even gained in relevance. Lino Ventura, Simone Signoret and Paul Meurisse at the top of the top. We never tire of seeing them.

11 • “ Journey to the End of Hell » by Michael Cimino (1978). When the film was screened at the Berlin Film Festival in 1979, half the room was emptied: the representatives of Eastern European countries and so-called progressive countries (Cuba, Algeria), considered that Cimino insulted the Vietnamese people. More than forty years have passed: the film is even better.

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12 • “ The fall of the Black Falcon “ by Ridley Scott (2001). At the heart of war, in its most terrible form: urban combat. Ridley Scott is a master of storytelling. Never have we filmed atrocity, courage, uselessness, blood and metal with this perfection. The filmmaker upsets all the codes: suddenly, John Wayne is out of date.

Other titles? Here it is, in bulk: “The Bridge on the River Kwai” • “Sergeant York” • “Kanal” • “The Youth of Ivan” • “MASH” • “1917” • “The Grand Parade” • “Casablanca” • “Rome open city” • “Doctor Strangelove” • “Men versus” • “Life and nothing else” • “Paths of Glory” • “Apocalypse Now” • “Inglourious Basterds”… Take your pick.



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Alejandroi Loayza Grisi, director of “Utama, the Forgotten Land”: “I like films that are beautiful”



First, the pure beauty of the images, the landscapes, the faces. In “Utama, the Forgotten Land” by Alejandro Loayza Grisi, an elderly man and woman live in the solitude of the Bolivian highlands, with their llamas, the wind and, occasionally, a condor. The visit of the grandson, who has come from the city, changes everything, with the prospect of the approaching death of Virginio, the old shepherd… Performed by non-professionals, the film approaches, with modesty and majesty, the themes of nature. abandoned, of long-term love, of the disappearance of Quechua culture. In the sublime expanses of the Altiplano (filmed in widescreen), facing these imposing mountains, this simple story takes on a universal dimension. Alejandro Loayza Grisi, former cinematographer of the documentary “Planeta Bolivia” breathes new life into this drama from the end of the world, as beautiful and clear as a Bach cantata.

The quality of the images of “Utama” is astounding. How did you work with the light?

Alejandro Loayza Grisi. Originally, I was a photographer. I knew from the start what the look of my film had to be. I talked a lot with Barbara Alvarez, the cinematographer, and we storyboarded the film, so that we knew where we were going. On the one hand, I opted for a wide screen, which was the best way to capture the immensity of these desert mountains, and to give the feeling of loneliness. The Bolivian Altiplano is a country



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« The Northman », « Tom », « The Duke »… Les films à voir (ou pas) cette semaine


The Northman

Drame d’aventures américain par Robert Eggers, avec Alexander Skarsgard, Claes Bang, Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy, Ethan Hawke (2h17).

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♥♥♥ POUR. C’est le propre des films sans concession : ça passe ou ça casse. Tiré de la légende du prince Amleth, qui inspira « Hamlet » à Shakespeare, cette épopée vengeresse nous plonge en plein territoire viking, au Xe siècle, avec un premier degré insolite. Robert Eggers ne prend pas de détour ni ne questionne le mysticisme et la barbarie de son protagoniste : ils sont l’expression d’une folie intégriste dont chaque spectateur trouvera des échos contemporains où bon lui semble. Comme dans « The Witch » et « The Lighthouse », ses précédents films. Passionné de cultures archaïques, Eggers s’y fond sans arrière-pensée ni peur du ridicule, mais avec une foi inébranlable en son pouvoir de cinéaste (chez lui, les stars Kidman, Ethan Hawke et Björk ont des seconds rôles). D’une puissance graphique et d’une force d’incarnation dingues, sa mise en scène traduit l’essence de cet univers médiéval en pure matière cinématographique. A mille lieues des bouillies numériques à la « Game of Thrones ». Ça hurle, ça sue, ça saigne sur deux heures et quart. Radical et fascinant. Nicolas Schaller

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CONTRE. Petite anecdote croustillante. Une première campagne de promotion dans le métro new-yorkais pour ce nanar dispendieux fut retirée, le graphiste ayant oublié de faire figurer… le titre du film. Sublime acte manqué pour une œuvre dont on voudrait oublier le nom et les 137 minutes de pure prétention. Hamlet chez les Vikings ? Pourquoi pas. Sauf qu’ici on est plus proche d’un spectacle pour le Puy du Fou que de la tragédie de Shakespeare. La tragédie n’est qu’un prétexte pseudo-intello pour aligner des plans hyperléchés façon National Geographic et des scènes de batailles ultragore et complaisantes qui n’apportent rien à la dramaturgie. Elles permettent au cinéaste de mettre en avant les torses musclés de ses interprètes. Dans ces moments-là, on ne sait plus à quel degré de parodie crypto-gay se livre l’auteur surévalué de « The Witch ». Ouverture sentencieuse, jeu inexpressif de Nicole Kidman, délires visuels d’un directeur de la photographie visiblement sous opiacés… Et tout cela pour la modique somme de 90 millions de dollars. La crise du cinéma ? Quelle crise ? Xavier Leherpeur

♥♥♥ Tom

Drame français par Fabienne Berthaud, avec Tanguy Mercier, Nadia Tereszkiewicz, Félix Maritaud (1h27).

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Tom, 11 ans, vit dans un mobil-home avec sa mère, une femme enfant au « destin embrouillé » qui n’a pas encore renoncé à ses rêves d’adolescente. L’arrivée de Samy, responsable de pompes funèbres et père hypothétique de Tom, va tout bouleverser. Après l’inégale expérience chamanique de « Un monde plus grand », la cinéaste revient à un cinéma plus réaliste, avec un zeste de poésie. Face au mystère de cet homme que sa mère refuse de voir, Tom va prendre peu à peu sa vie en main, après avoir rencontré par hasard une dame âgée, princesse vieillissante et solitaire régnant sur sa belle demeure endormie et sur ses chiens. Fragile et déterminée, naïve et roublarde, la mise en scène épouse le ressenti du garçon. Un troublant geste de cinéma. X. L.

♥♥ The Duke

Comédie britannique par Roger Michell, avec Jim Broadbent, Helen Mirren, Fionn Whitehead (1h35).

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Que du bonheur : rires et sourires ponctuent cette délicieuse comédie British, dans laquelle un quidam sexagénaire banal, souvent chômeur, fauche le portrait de Wellington par Goya exposé à la National Gallery pour protester contre la taxe sur la télé. La police est persuadée que le vol a été effectué par des truands professionnels, et patine. Notre coupable s’amuse, au grand dam de son épouse. Et quand vient le moment de passer devant le tribunal, la farce devient énorme. Dernier film de Roger Michell (« Coup de foudre à Notting Hill »), décédé en septembre 2021, cette histoire authentique renoue avec l’humour anglais du cinéma des fifties. Le casting est ultra-parfait : Jim Broadbent est génial, et Helen Mirren est une bobonne very inattendue. François Forestier

DOCUMENTAIRE

♥♥♥ Tranchées

Documentaire français par Loup Bureau (1h24).

Arrêté par les autorités turques en juillet 2017, Loup Bureau, journaliste de TV5, est condamné à vingt-cinq ans de détention pour terrorisme. Il a 27 ans. Deux mois plus tard, il est relâché, mais son regard a changé : il a découvert l’absurde de la condition humaine. Il se retrouve, en 2018, dans le Donbass, en Ukraine, alors sous le coup d’une attaque russe. Il filme, sans autorisation, les soldats dans les tranchées, pendant plusieurs mois. Il y voit comment la guerre agit sur les hommes.

Loup Bureau : au Donbass, « les tranchées sont à la fois le lieu où l’on vit et où l’on meurt »

Demeure la question : pourquoi les Européens sont-ils restés quasiment muets devant l’agression russe ? Tourné en noir et blanc, le film rappelle les images de la guerre de 1914-1918, et le parallèle s’impose : attente, brèves explosions de violence, visages marqués par la peur ou par la résignation. Aujourd’hui, des cendres de ce conflit filmé par Bureau renaît une guerre qui menace de s’étendre. « Tranchées » est plus actuel que jamais, et son message est devenu plus fort : la passivité n’est pas une option. F. F.

♥♥♥ L’Ecole du bout du monde

Film bhoutanais par Pawo Choyning Dorji, avec Sherab Dorji, Ugyen Norbu Lhendup, Kelden Lhamo Gurung (1h49).

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Au Bhoutan, le pays du « bonheur national brut », Ugyen, un jeune instituteur geek qui rêverait d’être chanteur à Sydney, est envoyé par l’administration à Lunana, un village sans réseaux ni électricité de cinquante-six habitants, situé le long des glaciers de l’Himalaya et accessible, non sans mal, après une marche de huit jours. Ugyen vit son exil comme un châtiment, ce sera au contraire son absolution. Car c’est là-haut, dans une école où dort un yak, au milieu d’enfants lumineux, sous des montagnes inviolées, qu’il découvrira le vrai bonheur national brut. Un film initiatique de toute beauté, dont la vraie richesse est l’humilité. Jérôme Garcin

« L’Ecole du bout du monde » : si l’époque vous agresse, inscrivez-vous

♥♥ Nitram

Drame australien par Justin Kurzel, avec Caleb Landry Jones, Judy Davis, Essie Davis (1h50).

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Qu’est-ce qui fait courir Nitram ? Enfant pyromane, adulte asocial, mal choyé par une mère rêche et un père dépressif, il tente en vain de s’intégrer dans sa bourgade de Tasmanie, trouve le réconfort chez une ex-chanteuse, recluse avec ses chiens, qui fait de lui son héritier, noie ses frustrations dans l’achat d’armes à feu… jusqu’au drame. Portrait d’une terrifiante énigme (l’auteur du massacre de Port Arthur, 35 morts et 23 blessés, en 1996), d’un mal-être à vif que le troublant Caleb Landry Jones (prix d’interprétation mérité à Cannes) fait sien, le film de Justin Kurzel, inlassable dissecteur du mal en milieu familial (« les Crimes de Snowtown »), épouse l’imprévisibilité de son protagoniste, les à-coups d’une vie en souffrance. Démarche pertinente qui s’étiole dans la dernière demi-heure, plus programmatique. N. S.

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♥♥ Cœurs vaillants

Drame historique français par Mona Achache, avec Camille Cottin, Maé Roudet-Rubens, Léo Riehl (1h25).

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Seconde Guerre mondiale. Après avoir trouvé refuge au château de Chambord, six enfants en bas âge, aidés par une femme revêche, traversent une partie de la France pour rejoindre la zone libre. Un drame historique que la cinéaste de l’adaptation du « l’Elegance du hérisson » (« le Hérisson », 2009) combine avec les codes du film d’aventures et de la littérature enfantine. Une odyssée racontée du point de vue de ses héros, pour qui la folie bien réelle du monde s’efface parfois derrière l’envie de jouer et de s’émerveiller. Il y a de jolies trouvailles, comme ce havre de paix provisoire et protecteur que représente une cabane perdue dans les bois, symbole d’une innocence qui s’étiole face à l’angoisse et aux dangers. Et les gamins sont formidables de naturel. X. L.

ÇA RESSORT

Trois fois Imamura

« Pluie noire » (1989, 1h58), « la Ballade de Nayarama » (1983, 2h11), « La vengeance est à moi » (1982, 2h10), par Shohei Imamura.

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Disparu en 2006, Shohei Imamura, l’un des chefs de file de la nouvelle vague japonaise des sixties, est devenu célèbre avec « la Ballade de Narayama », palme d’or 1983 à Cannes. Adapté d’un roman de Fukazawa, le récit décrit le cheminement d’une vieille femme qui veut se conformer à la tradition, et mourir, seule, sur une montagne-cimetière. Profondément émouvant, le film a été qualifié, tour à tour, de chef-d’œuvre ou de « pornographie ». Deux autres titres ressortent : « La vengeance est à moi » (1979), puzzle qui reconstitue la traque d’un tueur en série, et « Pluie noire » (1989), évocation de l’explosion de Hiroshima en 1945. Imamura, cinéaste baroque, a une place singulière dans l’histoire du cinéma : ses films sont critiques et, en même temps, symboliques. Entre ces deux tendances, il y a la poésie. F. F.

♥♥♥ Utama, la terre oubliée

Drame bolivien par Alejandro Loayza Grisi, avec José Calcina, Luisa Quispe, Santos Choque (1h27).

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Un homme et une femme âgés vivent dans la solitude des hauts plateaux de Bolivie, avec leurs lamas, le vent et, parfois, un condor. La visite du petit-fils, venu de la ville, change tout, avec la perspective de la mort prochaine de Virginio, le vieux pâtre. Joué par des non-professionnels, le film aborde, avec pudeur et majesté, les thèmes de la nature abandonnée, de l’amour au long cours, de la disparition de la culture quechua. Dans les étendues sublimes de l’Altiplano (filmées en écran large), face à ces montagnes grandioses, cette simple histoire prend une dimension universelle. Un drame du bout du monde, beau comme une cantate de Bach. F. F.

♥♥♥ Suis-moi je te fuis

Drame japonais par Kôji Fukada, avec Win Morisaki, Kaho Tsuchimura, Shosei Uno (1h49).

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Bande annonce “Suis-moi je te fuis”

Premier volet d’un diptyque dont la suite sortira dans une semaine et qui avait été sélectionné pour l’édition fantôme de Cannes 2020. Un jeune homme, commercial dans une petite entreprise de feux d’artifice, attiré par deux de ses collègues sans parvenir à choisir, sauve une femme bloquée dans sa voiture sur un passage à niveau. Elle disparaît, mais il ne peut se résoudre à l’oublier. Dans cette œuvre de plus de quatre heures en tout, le cinéaste retrouve son thème de prédilection, l’intrusion, et cultive le mystère avec une mise en scène troublante. X. L.

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♥♥ Les Femmes du pavillon J

Drame marocain par Mohamed Nadif, avec Assma El Hadrami, Jalila Talemsi, Imane Elmechrafi (1h37).

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Bande annonce “les Femmes du pavillon J”

Quatre femmes (trois patientes et une infirmière), quatre histoires, dans un hôpital psy de Marrakech. Bouffées de gaîté, échappées nocturnes, confessions douloureuses (inceste, perte d’un enfant), racontées par un cinéaste qui privilégie la parole et la profonde humanité des personnages face à une société fermée sur elle-même. Parfois théâtral, souvent émouvant, le récit est toujours porté par la conviction d’une injustice faite aux femmes. C’est un peu « Vol au-dessus d’un nid de coucou » version féministe. F. F.

♥♥ Un visa pour la liberté : Mr. Gay Syria

Documentaire truc, par Ayse Toprak (1h28).

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Hussein, 24 ans, est homosexuel : marié de force, père d’une petite fille, ce Syrien a fui son pays pour se réfugier en Turquie et, avec son ami Mahmoud, veut participer au concours de Mr Gay World à Malte. Embûches administratives, préjugés tenaces, crise des réfugiés, tout se conjugue, et le visa pour l’exil paraît si loin, si inaccessible… Documentaire signé Ayse Toprak, réalisatrice stambouliote qui a travaillé pour PBS à New York et pour Al Jazeera à Doha, le film est, avant tout, un regard militant sur la communauté homosexuelle au Moyen-Orient, qui se bat, chaque jour, pour un concept décrié par les salauds : la liberté. F. F.

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♥♥ Karnawal

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Comédie dramatique argentine, par Juan Pablo Félix, avec Martin Lopez Lacci, Monica Lairana, Diego Cremonesi (1h30).

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Cabra, adolescent qui rêve de sortir de son trou provincial en gagnant un concours de danse, est confronté à son père, taulard libéré, et à la tentation de la délinquance pour financer son costume. Visiblement, le réalisateur, Juan Pablo Félix, connaît bien la danse traditionnelle argentine, le malambo, mélange de claquettes et de flamenco : sur fond de drame familial, il reprend un thème rebattu (le fameux « let’s dance ! » des comédies musicales hollywoodiennes) et y ajoute une saveur particulière grâce à la virtuosité de Martin Lopez Lacci (champion national de malambo) et des paysages du Nord, à la frontière bolivienne. Malgré un rythme parfois hésitant, ce « Karnawal », au fond, est une ode à la joie de vivre. F. F.



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Loup Bureau: in Donbass, “the trenches are both the place where we live and where we die”



A dive into the daily life of soldiers on the Donbass front line. In “Trenches”, journalist Loup Bureau films a Ukrainian army brigade in this region of eastern Ukraine, where kyiv forces have been fighting pro-Russian separatists backed by Moscow since 2014. An immersion, filmed before the Russian offensive of February 24, which is released in theaters this Wednesday, May 11 and obviously takes on a very special resonance, while the invasion launched by Vladimir Putin more than two months ago is at the center of the global attention. The tunnels and the bunkers, the choice of the 4/3 format and black and white… In an interview with “l’Obs”, the French reporter returns to the genesis of his documentary.

Originally, what led you to the Donbass front?

In 2013, I covered the pro-European revolution in Maidan Square, kyiv. I didn’t know Ukraine at all. One thing leading to another, I met people with whom I bonded, in particular Dima, a young engineer. When, a year later, war broke out in the east of the country [entre les séparatistes prorusses soutenus par Moscou et l’armée ukrainienne], like many civilians, he chose to enlist. Then, he rose through the ranks in the Ukrainian army to the post of commander. In the meantime, we became friends, and I regularly went to the front with him. It was he who allowed me to follow this battalion, the 30and Ukrainian army brigade



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“The School at the End of the World”: if the era attacks you, register


“The School at the End of the World”, by Pawo Choyning Dorji (in theaters May 11), is the Bhutanese film that was nominated for the last Oscars. Despite the offering of a kilo of butter made by a monk from the Himalayas, it was the splendid “Drive My Car”, by Japanese director Ryūsuke Hamaguchi, which won the statuette for best international feature film. Yet it would have been comical to see the young director (38 years old) from the small kingdom of Bhutan take the stage of the Dolby Theater in Los Angeles to praise, in front of an audience of tuxedos and long dresses, the heating at the yak dung, rice alcohol, lands without networks, Vajrayāna Buddhism and BNB, Gross National Happiness, which the King of Bhutan, banking on true inner wealth, chose in 1972 to replace globalized GNP .

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The sequel after the ad

Lunana, 3,400 meters above sea level, snows ten months out of twelve

An ostentatious happiness which does not prevent the Bhutanese from wanting to emigrate abroad and in particular to Australia. This is the case of young Ugyen. A teacher, he sings in English in the bars of Thimphu and dreams of strumming his guitar in the clubs of Sydney. But the state forces him to go and teach the children of a village forgotten by time, Lunana, located at an altitude of 3,400 meters and covered in snow ten months out of twelve. He obeys, reluctantly. Ugyen is a sulky Bhutanese. Headphones on and laptop in hand, he has to trudge down a steep path for eight days to reach this dark hamlet without electricity or 3G, where even daylight refuses to penetrate. The fifty-six inhabitants welcome the ” master ” with open arms, like a saviour. But when he discovers his room, whose windows are covered with old papers, and the classroom, where the stone wall serves as a blackboard, Ugyen thinks only of fleeing, going back down to the valley, rediscovering civilization. and its Anglo-Saxon standards.

We suspect that the children with wondering eyes will soon make him change his mind. He was suspicious, he abandons himself. How to resist a little girl who tells the teacher that he alone “tuto the future” ? This beautiful film with false airs of documentary tells, with a moving and shimmering simplicity, in virgin landscapes before humanity, the slow conversion of an unbeliever to the religion of nature and the spirituality of humility. In Lunana, Gross National Happiness is not an empty idea. If the era attacks you, enroll in the “School at the end of the world”. You even learn to listen to silence.

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The school at the end of the world, by Pawo Choyning Dorji, with Sherab Dorji, Ugyen Norbu Lhendup, Kelden Lhamo Gurung. In theaters May 11.

Published in “L’OBS” of May 5, 2022.



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Why “It Happened Near You” with Poelvoorde is a cult film, 30 years after its release


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In 1992, the film “It happened near you”, a Belgian parody documentary in black and white by Rémy Belvaux, André Bonzel and Benoît Poelvoorde was released in dark rooms. Thirty years later, the story of this talkative, cynical and self-satisfied serial killer has propelled Benoît Poelvoorde into the firmament of the greatest French-speaking actors. Until making this work with black humor absolutely cult.

It must be said that when “It happened near you” tumbled to the Cannes Film Festival in 1992, the same year as “Reservoir Dogs” by Quentin Tarantino, it revived the debate on the representation of violence in the seventh Art. But under its air of “documentary” (or fake documentary), this film quickly managed to create a place for itself in the hearts of moviegoers and spectators, who now take up the lines in unison. Why such enthusiasm around this first film, a parody of the famous Belgian reality show “Strip-Tease”, written and produced with zero budget by three friends in their twenties?

Decryption with our journalist and cinema expert Nicolas Schaller, in our video below:



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“It happened near you”: and Benoît Poelvoorde appeared…



The shock is thirty years old, but its traces persist. In May 1992, right in the middle of the Cannes Film Festival, a tall skinny man with a Flemish accent and unstoppable bagou appeared on the Critics’ Week screen. His thing? To philosophize in front of the camera on urban architecture or pigeons, with the self-conceit of a counter BHL, while murdering as many innocent people as possible to rob them, grannies and children included.

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Unscrupulous killer, racist, misogynist and close to his mother, Ben is played by a complete stranger named Benoît Poelvoorde. Around him, a fake reporting team made up of Rémy Belvaux (the interviewer) and André Bonzel (the cameraman). Belvaux and Bonzel come out of Insas, a Belgian film school, Poelvoorde, a friend of Belvaux, is slowly destined for a career as an illustrator.

“And I love fury”, the new trompe-l’oeil by André Bonzel

Together, on an idea of ​​Belvaux and after a short film, “Pas de C4 pour Daniel-Daniel”, parody of spy film, noticed



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“Nitram”: Caleb Landry Jones, actor on edge



Under the beating sun of the Croisette, Caleb Landry Jones swims in a satin yellow suit and a black shirt too big for him. He would apply to play the next Joker in the “Batman” saga, we would hire him on the spot. The gaze is soft, the body awkward and the silhouette disturbing. As in “Nitram”, which, the day after our interview, won him a well-deserved performance award. Would the actor be hiding behind his character or would the two have found each other to the point of confusion?

In Justin Kurzel’s film, Jones plays Martin Bryant, the author of the most important mass murder that Australia has known: the Port Arthur massacre in 1996. 35 dead and 23 injured caused by a 29-year-old sociopath , armed to the teeth, who received 35 life sentences! The tragedy led to a national awareness and an immediate revision of the legislation on the carrying of weapons, since gone: the country has never counted as many in circulation as today.

The story could only challenge