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“Lost Illusions” by Xavier Giannoli: in the “hell” of journalism


Balzac is honored, but with a smirk. Looking forward to tasting, at the cinema, the exciting and swirling adaptation of “Lost Illusions” by Xavier Giannoli (in theaters October 20), is added indeed the disturbing pleasure, in full literary and dramatic re-entry, to see there the press rolled in the mud and the criticism, in the flour. Clever, the director adapts here the second, satirical and longer part of the novel, “A great provincial man in Paris”.

Lucien Chardon, alias of Rubempré (advantageous particle borrowed from his mother), a poet from Angoulême embodied by Benjamin Voisin, came to make a name for himself in the capital. He chooses journalism in order to accelerate his success and adapts very well to what he discovers: a corrupt press, without faith or law, plagued by advertising, covered with canards, which we then called “ducks”, and sold to the highest bidder. Because everything is bought, everything is bribed. A flattering paper on a book is paid in cash or in kind (to see his bad poems appear, Rubempré must praise a work published by his publisher, played by Gérard Depardieu). And when the editors do not know what to think of a work, a little alcoholic monkey is responsible for designating which will be praised and which will be executed.

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Xavier Giannoli: “” Lost Illusions “is a film of gangsters without faith or law”

“The more beautiful the book, the less likely it is to be sold”

For a show, it’s double trouble: the theater must water not only the criticism, but also the slap, orchestrated on the screen by Jean-François Stévenin, of which it was the last role, and the most venal. With Balzac, as with Giannoli, money, an instrument of cynicism and vanity, gets the better of everything. He rules over political ideas and cultural tastes. No sincere conviction can resist him. To those who would suspect Xavier Giannoli and his formidable troop (Xavier Dolan, Vincent Lacoste, Cécile de France, André Marcon, Louis-Do de Lencquesaing, Jeanne Balibar …) of having drawn too much towards our time of “Fake news” this Restoration novel, I recommend rereading “Lost Illusions”. They will not be disappointed.

It is Balzac who writes: “Journalism is hell, an abyss of iniquities, lies, betrayals”, “criticism is a brush that cannot be used on light fabrics, where it would take everything”, “We are merchants of sentences and live from our business » (sentence launched by the journalist Vernou), or again: “The more beautiful the book, the less likely it is to be sold. “ However, we wish this beautiful film to be a success.

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“Eric Zemmour adores Balzac, me too. How is it possible ? », By Titiou LecoqLost illusions, by Xavier Giannoli. In theaters October 20.

Published in “L’OBS” on October 14, 2021.



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Tavernier, Baer & Poelvoorde, Ducournau & Campion … the Lumière Festival as if you were there


Honor the dead, celebrate the living and celebrate the movies. The Festival Lumière de Lyon has been following this slogan for thirteen years, to the delight of moviegoers. This edition was special because the first to be held in the absence of his soul and godfather Bertrand Tavernier. The emotion was great at the opening night when the appearance of his photo on the giant screen and following a montage of images around his commitment to cinema and culture in the region , Tavernier, ex-president of the Lumière Institute which he created in 1982, received a standing ovation from the 4,500 spectators of the Halle Tony Garnier.

Bertrand Tavernier, the indignant who would have liked to be a contemplative

The next day, an evening in his memory was organized at the Auditorium of Lyon with Thierry Frémaux as Mr. Loyal, delighted to see the room packed. Under the watchful eye of her children, Nils and Tiffany Tavernier, her granddaughter Lisette, and many collaborators (from Marina Vlady to Mélanie Thierry via her director of photography Alain Choquart) the variegated extracts from her films and testimonials of its actors (François Cluzet, Gérard Jugnot) alternated with musical performances – Jeanne Cherhal taking up the song “the Commune is in struggle” from “Judge and the assassin”, the trio of Henri Texier “‘Round Midnight” in memory from “Around midnight” and Lambert Wilson a poem from Aragon. As a proof of his eternal presence, it was Tavernier who, equal to himself, had the m

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“Porn mutates enormously under the influence of social media”


To the customs officer at the Los Angeles airport who asks her if she’s coming for business or pleasure, Bella replies: ” Pleasure. “ Business or pleasure ? This is the question or rather the ambiguity on which the porn industry is built. By staging a young Swede, free and ambitious (said Bella, played by Sofia Kappel), who tries to break into American porn, Ninja Thyberg radiates this environment without taboos or Manichaeism, source of so many fantasies.

Forty-six years after the seminal “Exhibition” by Jean-François Davy, a reportage portrait of actress Claudine Beccarie, the reality of porn has changed a lot: a trashy and colorful tale with strong documentary accents, “Pleasure” testifies with relevance. . The film hits theaters on October 20. “L’Obs” met its director.

“Pleasure” was born out of an investigation of several years that you carried out in the American porn industry. How did you find yourself in this environment?

I have been interested for twenty years in the subject that I approached from different angles. I first wrote a short film, also called “Pleasure”, based on a university essay I wrote in Sweden on porn and gender studies. But I felt a little hypocritical when I interviewed my ambition to portray the real people behind the stereotypes conveyed by porn when I had never set foot on a set or met the people who do. I was feeding off my fantasies

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“The Last Duel”, “Eiffel”, “Arise women! »… Films to see (or not) this week


♥♥♥ The Last Duel

American historical drama by Ridley Scott, with Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer, Ben Affleck (2h32).

It’s a #MeToo lawsuit when women’s rights were in science fiction. Or a demonstration by the absurd. In 1386, Marguerite de Carrouges, wife of the knight Jean de Carrouges, accused Jacques Le Gris, her husband’s ex-comrade in arms, of rape. A kamikaze revelation for her who risks repudiation. But, between Le Gris and Carrouges, it is a matter of honor and scorned friendship. The first shares the depraved customs of the Count of Alençon, who has made him one of his favorites. Unlike the second, despoiled of part of his land by Alençon who sees in him only a rustic squire. Carrouges and Le Gris will face each other in the last legal duel: for lack of evidence, we appealed to God, who, according to beliefs, granted victory to the honest man in a fight to the death. Other times, other manners. Though.

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Before being one of two films signed by Ridley Scott (83) this year (the other, “House of Gucci”, will be released on November 24), “The Last Duel” is the first screenplay co-written by Matt Damon and Ben Affleck. since “Will Hunting”, which revealed them twenty-four years ago. Now consecrated stars, in part thanks to the support of Harvey Weinstein, have they adapted the eponymous book by Eric Jager on this little-known episode in our history to make amends – in particular Ben Affleck, targeted by accusations of inappropriate behavior ? By endorsing the surcoat of debauchery Pierre d’Alençon, the actor maintains the ambiguity while serving the noble cause of this “Rashomon” under Charles VI. The idea of ​​presenting the successive versions of the three protagonists is not new, but remarkably held, Damon and Affleck having taken care to add a female gaze (screenwriter Nicole Holofcener).

Confronting points of view and making them evolve, this is one of the major challenges of the #MeToo movement translated here within a story, close to serial writing, which continues to gain in nuance and complexity while that Ridley Scott’s physical staging guarantees the show. Raw, the battle scenes are striking. And what actors! Adam Driver, star aura in power, plays another type of toxic seducer after “Annette”; Matt Damon, mullet cut and broken skin, is even more ugly than in “Stillwater”; and Jodie Comer, from the “Killing Eve” series, stands up to them with class. With two or three errors of taste (why do the soldiers sing in French while the film plays the convention of making everyone speak in English?), This is a great show, adult and stimulating, as we no longer thought of Hollywood capable of producing it. Nicolas schaller

♥ Eiffel

French romance by Martin Bourboulon, with Romain Duris, Emma Mackey, Pierre Deladonchamps (1h49).

This is not a biopic. The foundations are real: Gustave Eiffel, in his youth, loved an Adrienne whom life took away from him. But the frame is fictitious: their reunion and Adrienne’s role in the design of the Eiffel Tower are fantasized. Regardless of historical accuracy, “Eiffel” is intended to be a popular romance with a heritage background, “Titanic” style. We are far from it. The photo is neat, Emma Mackey (from the series “Sex Education”), very good, but the film is ripoliné, love story cosmetic, without breath or personality. Like Romain Duris, on automatic pilot. From this pure export product (budget: 23 million euros) float the few scenes on the construction of the monument. Nothing vibrates except the tower. N. S.

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When the tower becomes hell: the long story of the film “Eiffel”

♥♥♥ Julie (in 12 chapters)

Norwegian drama by Joachim Trier, with Renate Reinsve, Anders Danielson Lie, Herbert Nordrum (2h08).

Joachim Trier completes his Oslo trilogy with this melancholy portrait of Julie (Renate Reinsve, interpretation prize at Cannes), in his thirties who hesitates between successive vocations, balance between two men, fight against assignments to motherhood that still refers to her a post- # MeToo company. The dialogues bite. The staging allows itself poetic licenses, such as that of stopping time during one of these twelve chapters except for Julie and her lover. The seduction sequences renew the genre of romantic comedy by playing with flirtation and its limits. Reinsve dazzles in this cruel and gracious emancipatory novel about a young woman in search of herself whom Trier swims with abrupt drama and sense of loss. Sophie grassin

♥♥ Freda

Haitian drama by Gessica Geneus, with Néhémie Bastien, Djanaïna François, Gaëlle Bien-Aimé (1h29).

Go or stay in Haiti? Between endemic misery, aftermath of the 2010 earthquake, social chaos, Freda, a young resident of Port-au-Prince, dreams of other horizons. Attachment to the country, fear of the future, the rise of violence, everything is mixed up, and the obvious: we will have to tear ourselves away. The first fiction film by documentary filmmaker Gessica Geneus, the story is a personal odyssey, imbued with melancholy, both touching and harsh. At a time when the images of the repression of Haitian migrants on the Texas border scandalize the world, “Freda” is a generous, lucid look at a failed country. The director practices, with talent, a velvet neorealism. Francois Forestier

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♥♥♥ The Translator

Syrian drama by Rana Kazkaz and Anas Khalaf, with Ziad Bakri, Yumna Marwan, David Field (1h45).

July 2000. Bashar al-Assad succeeds his father. Two months later, during the Sydney Olympics, Sami (Ziad Bakri), official translator of the Syrian team, is guilty of a (slight) slip in front of the press. This is enough to make him an outcast for Damascus and force him to stay in Australia, with political refugee status. In March 2011, the Arab Spring reached Syria, where the population demonstrated against the Baathist regime. It’s civil war. Sami, whose brother was arrested and tortured, then decides to return illegally to his native country. And to fight, with the rage of an Arab Quixote. This first film by a Syrian couple (having dual French and American nationality) is a dive, as if in direct contact, into a tragedy that will never end. Here, the tyrant is invisible, but he is everywhere. A powerful and overwhelming film. Jerome Garcin

DEBATE

The man of the cellar

French drama by Philippe Le Guay, with François Cluzet, Jérémie Rénier, Bérénice Béjo (1h54).

FOR. A civilized man buys a cellar from a couple with ailments, he says, to store his archives there. In fact, he settles there. Former history teacher removed from National Education, he does not have the means to live elsewhere. The sellers (Jérémie Rénier and Bérénice Béjo) will quickly understand the reasons for his destitution and his banishment: the outcast is a negationist coupled with a conspirator. And nothing could dislodge him from the moldy basement where he rehashes his dark thoughts. The way in which, in this unhealthy film taken from a true story, François Cluzet takes on the dubious mantle of this hateful character is both startling and disconcerting. With him, abjection has a smooth voice. JG

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VERSUS. Is it a dubious film or so awkward that it perverts its ambition? Either we have to take it at face value, in which case we can wonder about its propensity to make us more unbearable than the ersatz (very credible) of Robert Faurisson the family of sores which hosts him in spite of herself. Either we must see in the ridiculous pataques provoked by the latter at the idea of ​​sheltering a negationist a criticism of Wokism, so easily inclined to give importance to phenomena which would not have it otherwise. In one case as in the other, “the Man of the cellar” lack of spirit and of wickedness, confit in its mediocrity of telefilm thriller. N. S.

♥ Storia di vacanze

Italian drama by Fabio and Damiano D’Innocenzo, with Elio Germano, Barbara Chichiarelli, Lino Musella (1h40).

Chronicle of a summer in a poor suburb of Rome, where teenagers endure the filthy vulgarity of their parents to the point of tragedy. It is no longer “Ugly, dirty and wicked” but “Beasts, handsome, and violent”. Heirs without humor to Todd Solondz, the D’Innocenzo brothers have a paw that scratches less than it wears out quickly. Their thing? Overwhelm the characters without any existing other than to serve their execrable vision of humanity. For them, adults are pigs and children are silent victims. “I regret having told you this insane, bitter and pessimistic story”, concludes the narrator in a final fit of cunning. Shared regret. N. S.

♥♥ The Wolf and the Lion

Franco-Canadian adventure film by Gilles de Maistre, with Molly Kunz, Graham Greene, Charlie Carrick (1h39).

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The title is self-explanatory. Or almost. Taken in by a wolf then a young solitary pianist, a lion cub promised to the faint future of a race animal and a wolf cub arousing the appetites of a scientist grow together and become the best friends in the world. The fable recalls that animals, less stupid than humans, can love and help each other without worrying about racial barriers. After “Mia and the White Wolf”, a clumsy fiction set in Africa, Gilles de Maistre invests the steeper landscapes of North America. Deceptively candid, his screenplay denounces the exploitation of animals and educates young audiences about the animal condition. Xavier Leherpeur

♥♥ Stand up women!

French social documentary by François Ruffin and Gilles Perret (1h25).

It all started with an improbable collaboration: that of François Ruffin, deputy of La France insoumise, and Bruno Bonnell, of LREM. Both designated to describe the fate of invisible women who take care, in France, of the fragile populations that are the sick and the elderly. As Ruffin (partly) holds the camera, the directorial bias immediately favors him. But, little by little, a form of complicity sets in between the two enemies, who discover the extent of the economic and social injustice to which these workers of human solidarity are victims. Their poignant portraits highlight the precariousness of their status and an insufficiently recognized dedication. An activist film to try to repair one of the flagrant injustices of our country. X. L.

♥♥ Their Algeria

French documentary by Lina Soualem, with Aïcha and Mabrouk Soualem (1h12).

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In the Soualem family, there is Zinedine, actor with a successful career, accomplice among others of Cédric Klapisch, his father, Mabrouk, expatriate of the first generation who left Algeria for Auvergne, and the wife of this- here, Aïcha. Aïcha who, after sixty-two years of marriage, decided to get away and leave her husband. Discreet earthquake, in its image, and opportunity for their little daughter Lina, actress seen among others at Hafsia Herzi, to tell the fate of these uprooted women, tossed about, crossing their existence in the shadow of a patriarchal culture that does little case of their desires. Carried by the complicit questions of her granddaughter, very modest, Aïcha tells herself more than she does not reveal herself and dares to say in front of the camera her frustrations and her regrets. An overwhelming journey towards a late but salutary emancipation. X. L.



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Do you like the city? You like the movies ? The Close-Up Festival is for you


Surreptitiously add the words “city” and “cinema”: immediately, the images spring up. The streets of New York, London, Rome, and Paris are the most recurring backdrops in the films that have been engraved on our retinas. As if the cinema, this walking art, burrowing par excellence, was intimately made for the urban landscape bristling with towers, their pale neon lights and their gray-blue asphalt.

It is precisely on the cinematographic city that Close-Up is looking this year, a fine-looking Parisian festival, of which “l’Obs” is a partner and which takes place from 13 to 19 October everywhere in Ile-de-France (at Batignolles in the 17th arrondissement of Paris, but also in Chelles, Sceaux, Bagnolet …)

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Among an abundant program, the curious will be able to see, among others, the next film of Jacques Audiard, “the Olympiades”, but also documentaries like “I liked to live there” by Régis Sauder (with the presence of Annie Ernaux ) or films devoted to Washington, Lisbon, Istanbul, Brasilia, Shanghai …

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This year, Close-Up is also interested in Le Corbusier (“Bonne Maman et Le Corbusier”, by Marjolaine Normier), in contemporary China and in the brilliant Michael Mann.

All the program is here



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« Mourir peut attendre », « Tralala », « Mon légionnaire »… Les films à voir (ou pas) cette semaine


Mourir peut attendre

Thriller international Cary Joji Fukunaga, avec Daniel Craig, Léa Seydoux, Ana de Armas, Rami Malek, Lashana Lynch (2h45).

Ci-gît James Bond : voici le film qui l’aura enterré. Pendant deux heures et quarante-cinq minutes, on a droit à un « James Bond pour les nuls », avec des touches de freudisme populaire, des révélations ultra-importantes (l’avenir du monde est en jeu, si, si !), des scènes d’action dingues, et, pour souligner l’urgence de la situation, le boss du MI6, M (Ralph Fiennes) dit : « Je vais prévenir le Premier Ministre. » Prévenir Boris Johnson ? C’est dire l’abîme.

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L’homme derrière les cascades du dernier James Bond confie ses secrets de fabrication

Dans ce Bond 25, il y a tout et il n’y a rien. Tout : les explosions, les cascades, les Bond girls, les cocktails, l’Aston Martin, le smoking, les gadgets, les beaux paysages, les méchants (Christoph Waltz, borgne, et Rami Malek, grêlé) et Daniel Craig bodybuildé. Rien : pas de vie, pas de fun, pas d’électricité, pas de suspense. Les cadavres se succèdent, les bombes aussi, les exploits de l’agent secret le moins secret du monde s’accumulent et… pfffft. Les cinq (ou six, sept ?) scénaristes ont créé une autoroute : c’est payant, confortable, et long, long…

Voilà pourquoi James Bond ne meurt jamais

Pour résumer : James Bond, désormais retiré à la Jamaïque, son permis de tuer 007 attribué à une imitatrice, est sollicité par son vieux pote Felix Leiter, de la CIA. Il repart sur le sentier de la guerre, donc, après s’être aperçu que sa fiancée Madeleine Swann (Léa Seydoux) est peut-être une balance de Spectre. Il passe par Cuba, revient à Londres boire un coup, repart en Norvège, comprend qu’un Russe a créé un virus genre Covid plus plus, tente d’étrangler son ennemi Blofeld et découvre que le vérolé, Lyutsifer Safin, a financé un super-top laboratoire sur une île déserte. James Bond y va illico, dans un avion qui se transforme en sous-marin. Un conflit mondial se profile (Trump est encore président), et seul James peut tout arrêter, c’est prévu dans le scénario – qui n’a aucun sens. Une grosse surprise attend le héros (pas de spoiler, on ne vous dit pas quoi, dans « l’Obs », c’est pas le genre de la maison) qui le transforme en personnage de Delly (grosse musique).

Qui sera le prochain James Bond ? Le top 4 des acteurs qui pourraient succéder à Daniel Craig

Au début du film, James Bond se vautre dans le stupre à Matera, sublime ville troglodyte des Pouilles. C’est le meilleur moment : tout est beau, calme, idyllique. Ça se gâte rapidement, avec des tueurs à moto, des assassins en Land Rover, des acharnés du bourre-pif. 007 se sépare de sa compagne, et tout déraille. Il aurait mieux fait de rester du côté de Swann, avec sa Madeleine. François Forestier

♥♥♥ Tralala

Comédie musicale française par Arnaud et Jean-Marie Larrieu, avec Mathieu Amalric, Mélanie Thierry, Josiane Balasko (2h).

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Cela se passe à Lourdes et c’est une bulle de légèreté. Musicien de rue, Tralala (Mathieu Amalric) croise, gare Montparnasse, une mystérieuse « fille bleue » (Galatéa Bellugi) et la suit jusqu’à la cité mariale, où il se fait péter sa guitare – vite remplacée par un banjolélé griffé de la Sainte Vierge. Le début d’un périple inattendu, plein de rencontres chaleureuses et chantantes. Avec leur patte joueuse et libertaire, les frères Larrieu (« Un homme, un vrai ») font du Jacques Demy de guinguette, ambiancé par la fine fleur de la scène française : Katerine, Cherhal, Daho… et Bertrand Belin, ici acteur, charisme de Mitchum breton. Après un premier quart d’heure à contretemps, le miracle advient, et le charme ne rompt pas. Réinvention de la famille, hédonisme amoureux, jeu de masques (que les comédiens retirent pour chanter) : le film rêvé pour envoyer paître les gestes barrières. Nicolas Schaller

Bertrand Belin : « On fait comme si mais on ne sait pas vraiment qui l’on est »

♥♥ Mon légionnaire

Drame français par Rachel Lang, avec Louis Garrel, Camille Cottin, Ina Marija Bartaité (1h47).

Deux couples : l’un solide, l’autre, tout neuf, donc plus fragile, étranger de surcroît. Légionnaires, les hommes partent en opération au Mali. Les femmes les attendent en Corse. Sur un beau sujet (l’absence et ce qu’elle détraque), Rachel Lang, officier de réserve, montre sur un mode presque documentaire le quotidien des uns : rituels, paludisme, douche dans le désert jusqu’à l’échauffourée. Et celui des autres : vie en HLM, activités du club des épouses débile auquel il est mal vu de se dérober, codes et vocabulaire – affirmatif/négatif – qui déteignent sur les gosses. Les plans sont beaux, les acteurs, formidables, la tragédie s’installe. Un poil trop long mais tellement adroit. Sophie Grassin

C’EST RATÉ

Fatima

Film historique portugais par Marco Pontecorvo, avec Sônia Braga, Harvey Keitel, Valerio d’Annunzio (1h53).

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Pendant que la Première Guerre mondiale fait rage en Europe, trois enfants portugais voient la Vierge leur apparaître. Les autorités tentent de prouver (en vain) la supercherie. Inspirée d’une histoire vraie, cette fiction, scrupuleuse dans sa reconstitution et poussiéreuse dans son évocation, stupéfait par son premier degré béat. On frôle un prosélytisme de catéchisme à côté duquel un épisode de « la Petite maison dans la prairie » fait figure de manifeste mécréant. Dans ce village rural, tout le monde parle un anglais impeccable, ce qui facilite l’arrivée de Harvey Keitel, qui joue les caméos de luxe, habillé comme le prêtre de « l’Exorciste ». Le film a des moyens (nombreuses scènes de foules en prière), mais le miracle n’a pas lieu : rien ne transforme ce navet en objet cinématographique. Xavier Leherpeur

♥♥♥ Petite sœur

Drame suisse par Stéphanie Chuat et Véronique Reymond, avec Nina Hoss, Lars Eidinger, Marthe Keller (1h39).

Lisa (Nina Hoss), une dramaturge allemande qui a suivi son mari en Suisse, où il dirige une école internationale, et Sven (Lars Eidinger), comédien vedette de la célèbre Schaubühne de Berlin, dont le metteur en scène Thomas Ostermeier joue ici son propre rôle, sont jumeaux. La leucémie qui frappe Sven semble atteindre aussi sa sœur. C’est ensemble qu’ils la combattent. Ensemble qu’ils veulent rendre sa couronne à Hamlet et affronter la mort en scène. Ensemble que la femme mariée en rupture de ban et l’homosexuel célibataire vont habiter chez leur mère acariâtre (Marthe Keller). Ce film sensible sur la gémellité et le théâtre, le deuxième des réalisatrices de « la Petite Chambre », est d’une mélancolie poignante, qu’apaise, in fine, une cantate de Bach. Jérôme Garcin

« Petite Sœur » : « Si tu enlèves la scène à un comédien, tu le tues »

♥♥ Gaza mon amour

Drame palestinien par Arab Nasser et Tarzan Nasser, avec Salim Daw, Hiam Abbass, Maisa Abd Elhadi (1h28).

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Issa, pêcheur de plus de 60 ans, est toujours célibataire. Sa sœur lui organise des rendez-vous pour mettre fin à cet infamant statut. Or il n’a d’yeux que pour la belle couturière Siham. Mais le dieu Apollon va venir bousculer les plans de notre héros sous la forme d’une statue qu’Issa remonte dans ses filets. Comme dans leur premier film, « Dégradé » (2016), les cinéastes palestiniens mélangent les genres et les accidents de parcours. Leur but : dessiner en creux une cartographie ébouriffée, politique et sociale de la bande de Gaza. La mise en scène est un peu sèche, mais le film est engagé et émouvant. Grâce à la magnétique Hiam Abbass. X. L.

♥ Cigare au miel

Drame français par Kamir Aïnouz, avec Zoé Adjani, Amira Casar, Lyes Salem (1h36).

Ou le récit d’émancipation de Selma, 17 ans, issue d’une famille berbère de Neuilly-sur-Seine, qui étouffe entre des parents surprotecteurs. Elle intègre une école de commerce, groupe dans lequel elle ne se fondra pas sans perdre sa virginité. Impensable ! Et la manière dont elle s’y prend ? Impensable. Lutte d’une jeune fille contre sa propre soumission, viol, domination patriarcale systémique, réveil d’une mère longtemps sacrifiée sur fond d’islamisme radical en Algérie… Kamir Aïnouz court trop de lièvres à la fois. Mais la jeune Zoé Adjani, de toutes les scènes, retient l’attention. S. G.

ÇA RESSORT

♥♥♥ Thérèse

Drame historique français par Alain Cavalier, avec Catherine Mouchet, Aurore Prieto, Sylvie Habault (1h34).

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Bande annonce “Thérèse”

C’est un biopic confiné. L’intrépide et gracieux Alain Cavalier y épouse la philosophie de Thérèse de Lisieux, traduit sa quête de sainteté quotidienne par une mise en scène ascétique qui éclaire la grandeur (ou la laideur) de chaque geste. On s’embrasse et se cajole beaucoup dans ce « Scènes de la vie monacale », film d’amour mystique qui dit aussi la cruauté du dogme et de l’Eglise dans des séquences quasi-bunuéliennes (la fête de Noël, l’agonie), contrastant avec l’exaltation adolescente du personnage (Catherine Mouchet, que le film révéla). Couronné en 1986 de six césars, dont celui du meilleur film, aujourd’hui restauré en 4K, « Thérèse » marque une bascule dans la filmographie de Cavalier, qui privilégiera dès lors l’artisanat introspectif au cinéma traditionnel. N. S.

♥♥ Le Ciel est à vous

Drame français par Jean Grémillon, avec Madeleine Renaud, Charles Vanel, Jean Debucourt (1h45, 1944).

Bande annonce “le Ciel est à vous”

Ex-pianiste de cinéma, Jean Grémillon (1901-1959) est un cinéaste reconnu, mais dont les films ont du mal à passer le cap des années : cette aventure (authentique) d’une femme qui partage la passion de son mari – l’aviation – pour battre un record paraît un tantinet désuète, aujourd’hui. Pourtant, tourné sous l’Occupation, le film tente de faire ressentir la soif d’absolu (le ciel) et l’amour qui lie un couple (Madeleine Renaud et Charles Vanel). On a accusé Grémillon d’avoir fait un film pétainiste (c’est faux), mais aussi d’avoir glissé des thèmes favorables à la Résistance (c’est indétectable). Le film, curieusement, est assez froid, tout comme « Lumière d’été » ou « Pattes Blanches ». Mais, incontestablement, il marque. Dans l’histoire du cinéma, Grémillon côtoie les Japonais, tant par le style que par une certaine élégance distanciée. F. F.

♥♥ A Bigger Splash

Documentaire britannique par Jack Hazan (1h46, 1973).

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(LES FILMS DU CAMELIA)

David Hockney, sa vie, son œuvre (pendant trois ans). Curieux documentaire, dont certains moments sont mis en scène, qui relate la relation amoureuse torturée entre l’artiste et son modèle (sa muse), Peter Schlesinger. A l’époque de sa sortie, le film a été critiqué pour ses séquences oniriques dans la piscine de Tony Richardson (située en France) alors que les toiles de Hockney figurent des piscines californiennes… Peu importe. Un demi-siècle plus tard, le film prend une tout autre allure : celle d’une plongée dans l’inconscient de l’un des plus grands artistes du XXe siècle. Celle, aussi, d’une torture exquise, auto-infligée. F. F.

♥♥ Sept Jours

Film d’animation japonais par Yuuta Murano (1h25).

Le film commence par une romance très classique entre deux ados avant de se transformer en savoureux film d’aventures. Afin de soustraire à l’autorité paternelle la fille dont il est secrètement amoureux, l’ultra-timide Mamoru se retrouve dans une usine désaffectée assaillie par la police. Tout cela pour avoir, lui et ses amis, voulu aider un jeune migrant à échapper aux autorités. L’ampleur du dessin, des cadres et la maîtrise du montage offrent un souffle épique et narquois à cette histoire qui promeut l’engagement humaniste et la désobéissance. X. L.

♥♥♥ Le Kiosque

Documentaire français par Alexandra Pianelli (1h16).

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Paris, place Victor-Hugo (Paris-16e). Dans le kiosque à journaux, la réalisatrice « joue à la marchande » pour aider sa mère. Il a été tenu par toutes les femmes de sa famille depuis son arrière-grand-mère. Logée dans un espace minuscule derrière le comptoir, Alexandra Pianelli filme avec son téléphone portable les personnages qui défilent, clients de passage, sans-abri, habitués avec qui elle a noué des relations complices… Un film tendre et inventif qui explique, en parallèle, la crise de la presse et se demande si le kiosque familial lui survivra. Hélène Riffaudeau

♥♥ Delphine et Carole, insoumuses

Documentaire français par Callisto Mc Nulty (1h18).

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En 1970, la réalisatrice Carole Roussopoulos et l’actrice Delphine Seyrig se mettent à la vidéo pour servir la lutte des femmes. La loi sur L’IVG n’a pas été votée et, dans une émission télévisée, ces messieurs rivalisent de misogynie crasse devant une Françoise Giroud, secrétaire d’Etat à la Condition féminine… acquise à leur cause. Extraits de films militants (« Sois belle et tais-toi ! »), de manifs joyeuses du MLF, d’interviews pugnaces de la fée Seyrig – par mesure de rétorsion, Montand refusera de tourner avec elle – alimentent ce documentaire insolent qui donne la mesure du chemin accompli à l’heure de #MeToo. S. G.



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Cinéma : La Voix d’Aïda résonne à Srebrenica


Après avoir été présenté à la Mostra de Venise 2020 et sélectionné dans la liste des films étrangers en lice pour les Oscars en avril 2021, le film bosnien de Jasmila Žbanić, La Voix d’Aïda, est projeté sur les écrans français depuis le 22 septembre 2021.

Sous le regard d’Aïda, Stabat Mater désespérée, prête à tout pour sauver son mari et ses deux fils d’une mort annoncée, l’action historique se déroule en 48 heures, entre le 11 juillet 1995, jour de la chute de l’enclave de Srebrenica sous l’ultime assaut des forces du général bosno-serbe Ratko Mladic, et le départ forcé de la population dans les bus de la déportation ou vers un site d’exécution – école, stade, champ… Tandis que les pelleteuses ont commencé à évider la terre des futurs charniers, le premier massacre a lieu sous la caméra de Žbanić : un millier d’hommes sont exécutés à la kalachnikov dans un hangar agricole des environs. (Les noms des 8375 Bosniaques qui ont été exterminés en six jours sont gravés dans le marbre du Mémorial de Potocari, à 6 kilomètres de Srebrenica.)

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Dans la matinée de ce 11 juillet, Ratko Mladic (condamné à perpétuité en appel le 8 juin 2021 pour génocide, crimes contre l’humanité et violation des lois ou coutumes de la guerre) est entré dans la petite ville précipitamment désertée en conquérant méprisant, féroce et vulgaire, tel qu’il aimait s’exhiber – notamment devant la caméra de son neveu qui filme ce jour-là, pour sa gloire et la postérité mais aussi afin de consigner, sans le savoir, des éléments de preuves pour les futurs procès de La Haye. Les traits de l’acteur incarnant Mladic ne ressemblent pas à ceux du général bosno-serbe, mais ce qui émane de son jeu puissant est un équivalent de la brutalité barbare et de la volonté meurtrière du criminel – qui glace les sangs et sidère autant les autres protagonistes de la fiction hybride que les spectateurs.

En début d’après-midi, Mladic rejoint la base onusienne de Potocari, constituée de vastes bâtiments et d’immenses hangars d’une usine désaffectée, dans laquelle se relaient depuis plus de deux ans et l’instauration des prétendues « zones de sécurité » onusiennes, les bataillons de casques bleus, dont le Dutchbat hollandais, depuis le printemps 1995. Pilonnée et paniquée, la population de l’enclave s’y est réfugiée dans la matinée sous un soleil de plomb. Même si les espaces immenses des hangars pouvaient accueillir cette marée humaine, les rations de l’Onu sont comptées et le général bosno-serbe terrorise les « soldats de la paix » hollandais ; aussi, devant l’afflux de cette humanité exsangue et terrifiée, après l’entrée des premières 4.000 personnes, l’ordre est rapidement donné de fermer le grillage qui délimite l’enceinte de la base et d’abandonner 25.000 âmes à la belle étoile – qui fut atroce pour tous.

Témoignage de cette tragédie, le film de Jasmila Žbanić est une solide reconstitution de scènes historiques réincarnées, mêlées à une fiction intime. Raconter, donner à voir dans le même temps l’Histoire et une histoire parmi les innombrables récits qui la nourrissent est une gageure. On ne peut qu’être sensible au drame que vit le personnage fictif d’Aïda, traductrice pour le Dutchbat et relativement libre de ses mouvements derrière son badge, quand elle implore à genoux le major hollandais Franken de ne pas livrer son mari et ses fils aux tueurs de Mladic, mais de leur permettre de demeurer dans les bâtiments ; si la terreur qui ravage cette femme se ressent amplement, dans une perspective autre que celle de la mère centrée sur son drame personnel, et se révélant dans un cadrage plus large sans doute que la vision de proximité qu’en a Aïda, la détresse de la foule des autres sacrifiés s’éprouve également. Il est vrai que si la famille d’Aïda pouvait être sauvée, ce serait l’exception unique dans le drame qui se déroule, inéluctable : point de salut parmi les autres. Afin de tenter l’impossible, Aïda ne peut qu’ignorer ses compagnons d’infortune, jusqu’à ne plus les voir, jusqu’à les oublier. Aussi, sensibles dans le même temps au drame collectif de ces milliers de désespérés sacrifiés, nous privons l’héroïne, inévitablement, d’élans empathiques.

Comme dans la réalité de 1995, en ce microcosme d’humanité agonisant dans une promiscuité de la terreur, parmi la population effondrée à même l’herbe desséchée de cet été-là, des femmes accouchent auprès de mourants. Face à la caméra de son neveu (puis à celle de Žbanić), Mladic promet à la foule hébétée un départ prochain en toute sécurité et en lieu sûr. « Les femmes et les enfants d’abord » ajoute-t-il, confirmant ainsi au monde entier, sans le moindre doute possible, ses intentions réelles. Ce qu’admettra dix ans plus tard Alain Juppé, alors Premier ministre français : « Nous savions que les Serbes ne feraient pas de prisonniers ».

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La mascarade des négociations

À un jeune garçon dans la foule, Mladic pose l’atroce question, apparemment anodine : « Quel âge as-tu ? », alors que la réponse de l’enfant pourrait immédiatement le condamner. Mais l’une des scènes les plus hallucinatoires est sans doute la reconstitution de la mascarade des négociations autour d’une table, imposées par Mladic en présence du général hollandais Karremans et de trois représentants des réfugiés. Les silences des trois Bosniaques tétanisés sont aussi éloquents que les paroles du militaire sanguinaire, qui se veulent rassurantes : filmés subtilement, leurs regards révèlent la terreur qui les étreint lentement ; ils nous traduisent les phrases mensongères du général sanguinaire comme autant de condamnations à mort.

Devant les bus du crime, affrétés depuis quelques jours par Mladic avec l’accord des dirigeants occidentaux (et dont l’essence lui sera remboursée par l’Onu), le sacrifice consenti par la communauté internationale se poursuit avec les violentes séparations des hommes et des femmes, des parents et des enfants, qui jamais ne se reverront.

Le « tri » des êtres humains

Le film démontre autant l’inhumanité des génocidaires que la couardise du Dutchbat. Terrifiés, ses responsables, le général Karremans et le major Franken (son suppléant dès lors que Karremans s’enferme pour 36 heures de dysenterie dans les toilettes verrouillées de la base) obéiront aux ordres de Mladic. Leur propos est de sauver leur peau et éventuellement celle de leur bataillon, dont de nombreux otages. Balayées les directives récentes de leurs supérieurs onusiens, oublié l’objectif même de leur mission, qui est de protéger la population assiégée. Au contraire, les hollandais participeront au « tri » des être humains. Žbanić filme ses figurants sous casque bleu qui déroulent les rubans de chantier afin de créer des couloirs, passage obligé pour l’inspection et la séparation avant le départ pour l’abattoir. A ce moment-là, juste avant le départ dans les bus, le sort réservé aux hommes (et à des femmes, violées et abattues en chemin), leur mort préméditée est une évidence. Et pourtant, sans la moindre compassion, les soldats hollandais donnent l’ordre aux condamnés, qui avancent à petits pas, tête baissée, de retourner leurs poches, afin de les priver d’un couteau ou d’un autre objet contondant, éventuellement d’un morceau de pain. Soumis aux ordres, certains collaborent avec les Serbes jusqu’au zèle criminel : dans la cohue près des bus de la déportation, dans le chaos d’un troupeau envoyé à la mort, un soldat hollandais dénonce l’adolescent qui, accroché au bras de sa mère, s’est rapidement travesti avec un fichu féminin noué sous le menton : « C’est un garçon !». L’adolescent est arraché à sa mère hurlante.

Mais la caméra de Jasmila Žbanić demeure cependant pudique. La réalisatrice chevronnée a choisi d’atténuer la cruauté et l’inhumanité des bourreaux, probablement dans le but de rendre sa reproduction fictive plus crédible : donner à voir ou même à imaginer trop d’atrocités, pourtant avérées dans la réalité, peut instaurer un doute : on ne verra pas les femmes violées puis tuées dans l’enceinte de la base, le nouveau-né égorgé devant la foule dans les bras de sa mère, ni la douzaine d’hommes exécutés à bout portant ou au couteau derrière un petit bâtiment blanc ; en juillet 1995, la pellicule des photos de ces cadavres prises par un casque bleu, pièce à conviction, sera détruite, « accidentellement exposée à la lumière » dans un laboratoire de Zagreb, première étape du Dutchbat après son exfiltration de l’enclave.

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La pleutrerie des officiers hollandais

De même Žbanić édulcore-t-elle la pleutrerie du général Karremans et du major Franken. Afin de les rendre plus humains, moins psychopathes peut-être (tels que la neurobiologie définit ceux qu’une déficience neuronale rend inaptes à l’empathie), elle les traite avec mansuétude, leur concédant des indignations qu’ils n’ont jamais ressenties ni exprimées.

Références de lâcheté et d’indignité, Karremans et Franken sont poursuivis en justice depuis une dizaine d’années par Hasan Nuhanovic, écrivain et activiste des droits humains. Survivant de Srebrenica parce qu’ayant pu demeurer dans la base en tant qu’interprète pour l’Onu, Nuhanovic est le modèle premier du personnage d’Aïda. Des années plus tard, les dépouilles de ses parents et de son jeune frère, éjectés de la base par le général Karremans et le major Franken, ont été retrouvées et inhumées dans l’immense cimetière de Potocari. Son livre Under the UN Flag, publié en anglais, est le témoignage le plus factuel et précis de ce que fut la survie dans l’enclave assiégée durant trois ans, jusqu’au désastre final.

Mais ce que l’on peut surtout reprocher à ce film, pourtant nécessaire à l’encontre de l’oubli et du négationnisme qui s’affiche de plus en plus grossièrement en Serbie et dans l’entité serbe de Bosnie, c’est l’absence d’un récit parallèle à ce seul huis-clos. Ainsi, quand Karremans réclame naïvement au téléphone des frappes aériennes sur les positions de l’armée bosno-serbe qui lui ont été promises (sans l’intention de jamais les lancer), ne pas voir ni entendre son interlocuteur est une frustration pour le spectateur. L’opportunité était grande pourtant de démontrer aisément, grâce à une pléthore de preuves révélées depuis 25 ans lors de procès historiques, l’intention qui précéda le génocide (connue de tous grâce notamment aux écoutes produites en cour), son organisation par les responsables serbes et bosno-serbes (dont Mladic aux ordres de Milosevic) et son déroulement. Le tout au vu et su d’innombrables observateurs, des premières intentions génocidaires (écoutées par les Services dès 1991) jusqu’aux derniers crimes. Les atrocités et tueries subies par les Bosniaques leur furent infligées dans l’indifférence, les compromissions, voire avec la complicité des responsables occidentaux des années 1990. Ce sont les mêmes qui sont aux affaires en 1994 lors du génocide rwandais. Tous savaient à l’avance, tous furent prévenus dans l’instant du déroulement des crimes ; parmi ceux-là, certains virent tomber les hommes dans un stade ou un champ, captés par satellite, sur l’écran d’une salle européenne des observations de la CIA.

Tous, décisionnaires, avaient connaissance du drame, en premier chef les dirigeants des 5 membres permanents du Conseil de Sécurité, dont les Anglais, les Français et les Américains, promoteurs des résolutions onusiennes qui, dès le début de l’agression en1992, donnent l’avantage des armes aux agresseur. L’échange de l’enclave nettoyée contre la signature des Accords de Dayton par Milosevic est une décision politique. Richard Holbrooke, le négociateur américain l’admettra en 2005, 10 ans après le crime, face à une caméra de Sarajevo : « J’avais reçu l’ordre initial de sacrifier Srebrenica, Goradze et Zepa », soit les trois enclaves de l’est de la Bosnie. Il confirmera que le sacrifice concernait à la fois le territoire et sa population, et que l’ordre provenait d’Antony Lake, numéro 3 de la Maison Blanche* – autant dire du numéro 1.

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Un bras d’honneur adressés à l’UE et aux USA

Le cynisme final consistait, une fois la ville aux mains de Mladic, à ne pas transporter la population dans des véhicules de l’ONU et d’éviter ainsi d’être taxé de complicité dans un « nettoyage ethnique », quitte à se faire les complices d’un génocide. L’omerta préserverait les chancelleries occidentales de l’indignité jusqu’à ce que le mot d’ordre « On ne savait pas, on ne pouvait pas savoir » se dissolve derrière les premiers aveux. En ce début juillet 1995, la hiérarchie onusienne est en vacances, sans coïncidence comme le confirmera le général français Bernard Janvier, commandant de la Forpronu, basé à Zagreb : « Ils sont tous en vacances. Ils ont tous quitté le navire, me laissant seul aux commandes ». Boutros Boutros-Ghali est en Afrique, Kofi Annan en Suède, son haut-représentant, le mélomane Yasushi Akashi est injoignable dans un festival de musique de Dubrovnik : tous aux abris, le crime peut s’accomplir.

L’opportunité était grande, grâce à un film de fiction, de ne pas s’enfermer dans une reconstitution, mais d’offrir à un large public toute la vérité sur le crime, et notamment les informations mettant fin au négationnisme diffusé par de nombreux politiques serbes et bosno-serbes. C’est bien entendu à des fins purement électoralistes qu’ils concèdent à présent, dans des postures goguenardes, l’existence des massacres de Srebrenica. Mais, relativisant le nombre des victimes, prétextant une légitimité d’action défensive, ils rejettent l’appellation de génocide – soit un crime inséré dans la Charte de l’Onu depuis 1948, dont la définition et et les obligations légales internationales induites sont précises. Ils récusent les institutions judiciaires internationales et les jugements prononcés : le génocide de Srebrenica est reconnu par deux cours internationales de justice de La Haye, le TPIY et la CPI; et les responsables politique et militaire bosno-serbes, Radovan Karadzic et Ratko Mladic ont été condamnés à perpétuité en appel, notamment pour génocide à Srebrenica.

Tandis que toutes les victimes disparues n’ont pas encore toutes été retrouvées, identifiées puis enterrées à Potocari, par décision, le 23 juillet 2021, du haut représentant international en Bosnie, des amendements au code pénal bosnien punissent désormais de six mois à cinq ans de prison les personnes qui « approuvent, nient, minimisent grossièrement ou tentent de justifier le crime de génocide, le crime contre l’humanité et le crime de guerre ». Ainsi, tout négationnisme de ce génocide constitue désormais un délit. La réponse des trublions de la politique qui sévissent à Belgrade et dans l’entité serbe de Bosnie consiste en davantage de provocations sécessionnistes et va-t’en-guerre qu’auparavant, soit autant de bras d’honneur adressés à l’UE et aux Etats-Unis. Pitreries affligeantes, ils sont néanmoins de réelles mises en danger de la paix.

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A l’image de la réalité bosnienne, et de celle de tout génocide (notamment quand la vérité n’est pas entièrement dévoilée et assumée), une séquence de la fin du film demeurera dans les mémoires, bouleversante : des années après le crime, dans un long processus d’identification des dépouilles extraites des charniers, des survivantes, fantômes d’elles-mêmes, sont conviées à venir identifier les aimés disparus. Régulièrement, elles arpentent des espaces où sont alignées au sol des reconstitutions parcellaires de squelettes, puzzles d’os et de débris sur lesquels s’accrochent un morceau de tissu, parfois la lanière d’une sacoche, une chaussure. Les femmes passent en revue, lentement, ces restes humains. Parfois l’une d’elle s’arrête, se plie en deux dans un profond sanglot et se recroqueville au sol, sa main étreignant un os. Comme Aïda.



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“Little Sister”: “If you take the stage away from an actor, you kill him”


It’s a discreet film, which has neither the means nor the desire to measure up to “Die can wait”, the 25e James Bond adventure, with Daniel Craig and Léa Seydoux, of which 700 copies will monopolize French screens on October 6. “Little Sister” by Lausanne-based Stéphanie Chuat and Véronique Reymond will be released on the same day, but without stunts and in a handful of venues. We would therefore like to give it a small chance to be seen. Because it is of rare delicacy and emotion. Carried, moreover, by an exceptional cast: Nina Hoss, Lars Eidinger, the great Marthe Keller, Jens Albinus and Thomas Ostermeier, the director of the Schaubühne of Berlin and brilliant director of “Richard III” and of “Hamlet”.

It is moreover in his theater that he appears at the beginning of the film: Ostermeier repeats with his troupe the tragedy of Shakespeare when, from the twilight, emerges Sven (Lars Eidinger), the star and homosexual actor who was his Hamlet before. to become seriously ill. Struck with myeloid leukemia, very debilitated, Sven comes out in a blonde wig from the hospital, where he underwent chemotherapy and a bone marrow transplant, taken from his twin sister, the playwright Lisa (Nina Hoss). Sven barely stands up, but wants to believe himself capable of taking over the role of Hamlet (which he really played in the Schaubühne) and of proclaiming, once again, “To be or not to be, that is the question”.

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Edouard Louis plays his life on stage. And it’s disturbing

“Showing off an actor in agony is obscene”

Lisa begs the Berlin director to give her brother one last chance to play the folly of the Prince of Denmark and die on stage under the sword of Claudius. But Ostermeier, or rather his character, refuses: “Showing off a dying actor is obscene. “ Lisa will then sacrifice her family life to devote herself body and soul to her twin in distress, promise to write him a monologue inspired by “Hansel and Gretel”, finally protect him from their mother (Marthe Keller), a former actress. which drowns its bitterness and denial in alcohol.

“Little Sister” is a beautiful, serious and rebellious film, where life merges with the theater, where death rises to the sky in a paraglider, where the shadow of Patrice Chéreau hovers and where it is said that “SIf you take the stage from an actor, you kill him more surely than any disease ”. On the set of “La Petite Chambre”, their first film, Stéphanie Chuat and Véronique Reymond heard Michel Bouquet, 95, whisper to them: “An actor is only alive when he is playing. “

“The Ladies”: “As you get older, if you have the ability to remain curious, life can bring many things”

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Published in “L’OBS” on September 30, 2021.

Little sister, by Stéphanie Chuat and Véronique Reymond, in theaters on October 6.



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Aleem Khan, director of “After Love”: “Life is not ordered like some scenarios”


On the one hand, Calais. On the other, Dover. In “After Love”, Aleem Khan’s first film, there are 34 kilometers of sea, but a world of difference. Two women, from each side of the Channel, and a man whose death upset these destinies: he was a shuttle pilot, and, in the most total secrecy, he had two homes, one in France, the other in England. The Muslim wife, an Englishwoman converted for love, decides to lift the veil on this elsewhere about which she ignores everything … “After Love”, by Aleem Khan is a moving plunge into the silences, the secrets, the unspoken. Aleem Khan, with modesty, recounts the mourning, the mistake (the Muslim wife is considered as a servant by the French mistress), the intimate cataclysms born from the disappearance of a being. Does betrayal erase love? We asked all these questions of the filmmaker.

Sean Penn: “Cinema is no longer a sharing”

Your film opposes – and reconciles – two worlds. Are you from two different cultures?

I was born and live in London, but grew up in Kent, where the action of ‘After Love’ takes place. We were a very big family, cousins, sisters, aunts, etc. My mother is English, my father is from Pakistan, but has spent most of his life in Britain. He arrived in London as a child, at age 4, with his parents and grandparents, at a time when England was in need of labor, in the 1960s. The doors were wide open.

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We saw “Die can wait”, a James Bond for dummies


Here lies James Bond: here is the film that will have buried him. For two hours and forty-five minutes, we are entitled to a “James Bond for Dummies”, with touches of popular Freudianism, ultra-important revelations (the future of the world is at stake, yes, yes!), crazy action scenes, and, to underscore the urgency of the situation, MI6 boss M (Ralph Fiennes) says: “I will warn the Prime Minister. “ Notify Boris Johnson? It is to say the abyss.

Who will be the next James Bond? The top 4 actors who could succeed Daniel Craig

In this Bond 25, there is everything and there is nothing. Everything: the explosions, the stunts, the Bond girls, the cocktails, the Aston Martin, the tuxedo, the gadgets, the beautiful landscapes, the bad guys (Christoph Waltz, one-eyed, and Rami Malek, pockmarked) and bodybuilder Daniel Craig. Nothing: no life, no fun, no electricity, no suspense. The corpses follow one another, the bombs too, the exploits of the least secret secret agent in the world accumulate and… pfffft. The five (or six, seven?) Screenwriters have created a highway: it’s profitable, comfortable, and long, long …

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To summarize: James Bond, now retired in Jamaica, his license to kill 007 attributed to an imitator, is requested by his old friend Felix Leiter, of the CIA. He sets out again on the warpath, therefore, after realizing that his fiancée Madeleine Swann (Léa Seydoux) is perhaps a Specter scale. He goes through Cuba, comes back to London for a drink, goes back to Norway, realizes that a Russian has created a virus like Covid plus plus, tries to strangle his enemy Blofeld and discovers that the pox, Lyutsifer Safin, has financed a super -top laboratory on a desert island. James Bond goes there immediately, in a plane that turns into a submarine. A global conflict is looming (Trump is still president), and only James can stop it all, it’s planned in the scenario – which makes no sense. A big surprise awaits the hero (no spoiler, we do not tell you what, in “The Obs”, it is not the kind of the house) which transforms him into the character of Delly (big music).

At the start of the film, James Bond wallows in the stupor in Matera, a sublime cave city in Puglia. This is the best time: everything is beautiful, calm, idyllic. Things go bad quickly, with motorcycle killers, land rover assassins, fierce buggers. 007 separates from his partner, and everything goes wrong. He would have done better to stay on Swann’s side, with his Madeleine.

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“Die can wait”, by Cary Joji Fukunaga, with Daniel Craig, Léa Seydoux, Ana de Armas, Rami Malek, Lashana Lynch (2h45).